浅谈声乐艺术

浅谈声乐艺术（共8篇）

1.浅谈声乐艺术 篇一

浅谈不同体裁声乐作品艺术处理论文

摘要：作为一名声乐爱好者，应该有意识地去熟悉各种风格的歌曲，掌握好歌曲的感情基调和艺术处理。不管对于哪一种体裁的声乐作品，都要尽最大努力去挖掘作品的内涵，把原作的意图充分地表达出来。

关键词：歌曲体裁;歌剧咏叹调;艺术歌曲;艺术处理

作为一名声乐爱好者，我们经常接触的歌曲体裁主要有歌剧咏叹调、艺术歌曲、民歌和流行歌曲，那么它们的艺术处理有什么异同呢?首先我们应该了解一下他们的定义和特点，我们应该有意识地去熟悉各种风格的歌曲，掌握好歌曲的感情基调。下面我简单介绍一下我们经常接触的外国歌剧咏叹调、古典艺术歌曲民歌以及流行歌曲的一些基本风格，希望能为声乐爱好者带来一些新的启发。

一、歌剧咏叹调

歌剧，是将音乐、戏剧、文学、舞蹈、舞台美术等融为一体的综合性艺术，有多种样式和体裁，可分为独幕剧和多幕剧等。音乐在歌剧中并不处于从属地位，而是重要的组成部分。演员必须具备歌唱与表演的艺术才能，根据剧本与作曲家谱写的歌曲来塑造人物的形象，器乐除伴奏声乐以外，并担负着刻画人性格、揭示剧情和发展戏剧矛盾冲突、烘托环境气氛等任务。歌剧中的咏叹调是歌剧的主要组成部分，以独唱形式出现。咏叹调往往安排在戏剧情节发展的关键时刻。着重表现剧中人物在特定情景中的思想感情，这时，剧情的发展暂停。咏叹调的旋律比较优美动听，并且强调声乐演唱技巧，是最有艺术魅力的唱段，也是最易于流传的。如普契尼的歌剧《图兰朵》，在西方惯例由戏剧女高音唱图兰朵，总是把中国公主表现成为一个头脑简单，愚昧白痴，凶狠傲蛮，冷酷无情的女人，看了令人反感。可是卡索拉饰唱的图兰朵却与众不同，虽然一些戏剧性高潮处她也采用了有力和激昂的唱法，但其本质仍然保持着spinto女高音的声型，用声不那么猛，用情不那么狠。如第二幕中的“在这宫殿里”，唱得激昂有力，声情兼优，那个Highc很有穿透力，以铿锵有力的歌声来表现角色复仇的心态，在声音的造型上效果很好。最妙的是，她在第三幕中所唱出的“泪汪汪”。轻柔而优美，明亮而羞人，角色完全变成另一个人，这是我所听过的最温顺抒情的图兰朵。这也是卡索拉的成功所在。

又如比才的歌剧《卡门》，女中音史蒂安斯塑造的卡门，性格是多方面的，时而热情、倔强，时而直率、放荡。最成功的一点是她将卡门那罕有的女性魅力给表现出来。“爱情好像一只小鸟”(哈巴涅拉舞曲)一曲，一下子把卡门高傲、热情的性格表露无遗。史蒂安斯以性感的声音唱出的“城墙外有家小酒店”(塞吉迪拉舞曲)，声线粗犷，活跃有力更有极强的诱惑力。自始至终史蒂安斯的歌声都是那么浓厚、饱满、舒展、稳健。由此可见，我们在演唱一些歌剧作品的时候，并不可以把作品的情感表现在自己的喜怒哀乐中，而是表现到角色中，演唱时要单纯、深入。

二、艺术歌曲

艺术歌曲是十八世纪末十九世纪初，欧洲盛行的一种抒情歌曲的通称，其特点是歌词采用诗歌，侧重表现人的内心世界，曲调表现力强，表现手段与作曲技法比较复杂。伴奏占重要地位。在德国称为“lied”，代表作曲家是舒伯特，他采用歌德、席勒、海涅、米勒等人的诗歌为歌词，他的艺术歌曲曲调优美，意境深邃，《野玫瑰》、《春天的信念》、《魔王》等已成为流传世界的名曲。艺术歌曲大致有两个特点：

(1)是诗与音乐的结合：歌曲根据原诗含义及原诗的抑扬顿挫进行创作，所以歌曲所呈现的是作曲家对诗歌的主观看法。

(2)是钢琴伴奏的地位和声乐旋律同等重要。钢琴是伴奏不只是起和声和节奏的衬托作用，往往是用特定的音型或更复杂、更精致的织体以表现歌曲的意境与内容。

现今很多人对于该怎样演唱艺术歌曲，特别是舒伯特艺术歌曲的问题，仍存在着不同的`看法。大多数认为，应该以想象中极戏剧化的夸张手法来诠释舒伯特的艺术歌曲，才能将其特质发挥得淋漓尽致。如果用这种过度渲染的夸张手法，时而低吟呢喃，时而情感激昂、爆烈以及速度急速、渐慢……等等的诠释手法，我想会让人有一种莫名的惊慌、恐惧感。利奥波德·冯·桑莱斯勒说过：“我曾亲自聆听过他(舒伯特)伴奏排练自己的曲子不下一百次，不说其他，光是速度方面来说他的节拍总是维持一定，除非常特别需用加强表情的乐句。才会有适当的渐慢。回复原速，加速等表情术语旁注，否则他绝不允许在演唱时有任何过度激越的表演方式。”由此可见，演唱艺术歌曲的歌手只能间接地反映他人的经验与情感，而不将自己的喜怒哀乐融八其诠释的角色中，也就是说。无论诗人，作曲家或者歌手都必须将歌曲视为一种抒情的，而非戏剧性的表达。演唱舒伯特作品时尤其如此，作曲家早已将其深刻的表现力、深挚的情感，表现在优美的旋律中，再加上钢琴伴奏的画龙点睛之效，实在不需要无端的缀饰掺杂其中，任何有碍旋律的流畅或者干扰伴奏的手法，绝对是违背作曲家意愿的残害音乐之举。

三、中国民歌

所谓的民歌就是民间的歌，劳动人民的歌。它是历代各族劳动人民在长期的生产和社会实践中，为了适应劳动、生活和表达各种思想感情的需要，而集体创造的一种世代口耳相传的歌唱形式。另外，一些专业音乐工作者在民歌基础上编创的，并能为群众作为民歌传唱的歌曲，也应称为民歌。如王洛宾先生根据新疆民歌《洁白的前额》改编而成的《在那遥远的地方》：另外还有尹宜功填词，黄虹采用云南民歌《十大姐》和《大田插秧》编创而成的《小河淌水》等等。

任何国家、任何民族，任何地区的音乐都有自己的风格特点，在歌曲演唱中，应在老师的指导下，有意识地去熟悉各种不同风格的歌曲。尤其是我国的民族唱法中，由于民族和地区的区别，演唱风格也不一样，如北方地区的民歌粗犷豪放，而江南地区的民歌则柔婉秀丽，因此在演唱用声上也有不同。如果将不同的风格混淆起来，将各国各地区的民歌曲唱成一种风格，那就会破坏歌曲的艺术形象和艺术特点，所以唱民歌我们不但要唱得有声、有情，还要唱得有色、有味。

民歌的演唱技巧和表现技巧是相当丰富的，是我国声乐传统的瑰宝。此外，传统民歌与新民歌在时代的风格特点上也有所不同。新民歌在气质上更加开朗，格调上更加明快，在感情表达上也更加舒展、豪迈，这说明在演唱民歌时还要注意时代特点。

四、通俗歌曲

流行音乐又称通俗音乐，严格地说，它所包含的内容和所覆盖的范围比较广阔，这些称谓都不是很确切的。流行音乐包括有声乐和器乐两个方面，这里主要谈的是前者。

就通俗歌曲来说，群众性、即兴性、生活性、创造性、旋律节奏鲜明性、广阔包容性都是需要注意保持的特点。由于这种特性，就决定了它必须力求能为人们所理解和接受。在歌曲的写作和表演上，就要注意音调动听，流畅顺口、词句通俗、读字清晰、亲切生动，不然就达不到流行的目的。有不少流行歌曲并不流行，而且寿命短暂，其主要原因可能就在这里。由此可见，流行歌曲也像许多艺术现象一样，它的词、曲、表演，有格调的差异，有高下之分，有好坏之别。所以，通俗歌曲的艺术处理也要遵循一般的艺术规律。比如声音的虚实，真假声的比例调整。节奏的对比等等，所以不能把通俗唱法定为业余唱法，随着时代的发展，通俗歌曲以及通俗唱法也将变得更加专业，更加绚丽多姿。

随着社会的进步，人们的审美意识不断提高，现在出现了一些有意思的新现象，比如美声歌曲的通俗化，通俗歌曲的民族化，民族歌曲的通俗化等等，多种唱法趋于融合，把不同唱法不同题材的作品的优点集中起来，形成了美通唱法、民通唱法，因而也诞生了一批美通作品和民通作品，这些作品的演唱怎么处理，每个歌手有不同的处理方式，但有一点，一定要根据自己的嗓音条件和风格特点来选择作品和处理作品。要不然将使自己的演唱大打折扣。所以不同题材的歌曲要采用不同的唱法，不同的唱法要采取不同的处理方式，但前提是，无论是那种艺术处理方式，都应该遵循基本的美学原理，符合人们的审美需要。

生活丰富多彩，反映生活的音乐也是五光十色。如果说音乐是人类生态中的一种不可缺少的艺术，那么音乐的功能也就必然是多种多样的。它可以鼓舞斗志、激励劳动、抚慰悲伤、倾吐情爱、调剂生活、治疗疾病等等。音乐的品种繁多，而且往往是随着生活的步伐在不断演化，在演化过程中，有的萌芽生长、有的变化发展、有的停滞衰落、有的枯萎湮没，这是超脱不了的，不以人们意志为转移的客观规律。

不管对于哪一种体裁的声乐作品，都要尽自己的最大努力去挖掘作品的内涵，把作者的写作意义充分的表达出来，我想随着社会的进步，人们物质文化和精神文化生活水平的提高，音乐将呈现百花齐放的各种体裁的作品，只要它是美好的，科学的，动人的，各种唱法都将被人们所接受和喜爱。

2.浅谈声乐艺术 篇二

为使演唱具有强烈的艺术感染力,歌唱者在练唱的准备过程中应对歌曲作品进行艺术的处理与加工。有没有这项工作,效果是绝然不同的。凡是经过合理、细致处理加工的作品,演唱者都会经过自我设计之后做到心中有数“有的放矢”,使演唱者表演更准确、更生动。

处理歌曲作品,首先应从歌曲内容出发,使音乐处理同歌词内容的表现紧密结合,做到处理贴切、恰如其分,使处理作品的工作,完全为歌曲表现情感的目的服务,从而,避免为处理而处理、为加工而加工的脱离内容的不合理的处理方法发生。

处理歌曲作品,常用的方法有以下几个方面:

一、速度处理

速度,是音乐表现的方法之一。它源于生活。譬如,人在生活里说话,由于环境不同心理不同,说话的速度也不同。环境幽雅心境平和时,人的对话速度一般较为缓慢;如果处在紧张的环境中对话,说话的速度就很快、很急迫。作曲家就是根据生活里的各种现象,用音乐因素的表现手法来描绘这个绚丽多彩的大千世界,描绘不同的意境,表达人的复杂感情。其中速度具有重要的表现意义。所以,每首音乐作品,作曲家首先要把演唱、演奏的速度术语写在作品的前头。

例如:《草原上升起不落的太阳》是一首描绘辽阔、宁静的草原风光的内蒙民歌,为表现它的意境,作曲家标出行板的术语。演唱者就要用这种速度,来表现草原那种一望无际、宽广深远的诗情画意。这首歌,如果用快速来演唱,肯定是不合适不恰当的。

由此看来,准确地把握演唱速度,对歌曲意境和情感表现都有着重要作用。

二、力度处理

声音的音量被称之为声音的力度,它是音乐表现的物质基础。音乐的旋律美,要靠声音的力度来表现;音乐的情感美,同样要靠声音的力度来表现。歌唱尤是如此。缺乏力度表现能力的歌声,是呆板的、毫无生气的、缺乏音乐艺术与情感表现力的声音。

就人声而言,在不同的环境,用不同的语气、不同的力度说出同样一个字,会表现出不同的思想感情,这说明声音力度在表达人的思想感情时,有一种特殊的作用。在音乐表现中,声音力度的强、弱总是和音乐意境、反映的自然现象,人的思想感情有关。如:表现力量的强大、感情的强烈、形象的高大等内容时,应该采用强(mf、f、ff、fff)的力度来表现;如果是表现力量的弱小、感情的细腻与深沉,描绘阴暗、诡秘的意境、形容娇小的形象时,则应采用弱(mp、p、pp、ppp)的声音力度来表现。

声音力度变化,在音乐艺术上有很强的表现力,应根据音乐的意境和歌词内容规律的情景来决定。例如《古老的歌》这首气势宏伟的颂歌,决不能从头到尾用一样的力度来唱。如果始终用很响亮的声音唱完这首歌,不仅演唱者会感到很吃力,而且,在音乐的表现上则缺少对比和变化,不可能将歌词和音乐描绘的意境生动地表现出来。

声音的力度以及它的各种变化,在歌曲音乐艺术的表现中,的确发挥不容忽视的作用。学习和掌握控制声音力度的歌唱发声技巧,是歌唱者需要认真下功夫钻研的课题。

三、音色处理

对音色处理,既是表现歌曲情感的需要,又是音乐表现的需要。人类的语音音色受感情支配:高兴时音色明亮、爽朗;悲哀时音色泣哑暗淡;愤怒时音色嘈杂粗糙;紧张时音色尖锐干涩。

听众在欣赏《魔王》这首著名的古典艺术歌曲时,如果能从演唱者的歌声里清楚地感觉到不同人物的对话和不同的角色性格特点,就说明歌唱者的演唱成功了。歌唱音色的表化、对比,对于表达歌曲思想感情有重要的作用。在歌唱时为了表现歌曲的旋律线条和优美的律动感,总是寻找虚中求实、虚实结合;暗中求亮、亮暗适度的歌曲音色比例调整的发声感觉。渐强与渐弱的声音力度变化,同时也包含着音色虚实与亮暗调整的变化。掌握声音力度与音色变化的演唱技巧,对于歌曲音乐艺术的表现力有着重要意义。

四、歌曲风格韵味处理

歌曲的艺术风格及它的韵味是多种多样的。对歌曲风格韵味的处理,除了按不同唱法的艺术风格特点演唱之外,还应根据歌曲内容规定的情景决定采用什么风格与韵味来演唱。因此,对歌曲风格韵味的处理必须同内容统一起来。

歌曲的艺术风格大致有以下几种:

1、颂歌风格:

这类风格的歌曲,多以抒发热爱与赞颂之情,音乐与演唱风格多姿多彩,有气势宏伟的大合唱《东方红》、《祖国颂》等。

2、进行曲风格:

这种风格的作品内容,多以节奏铿锵,进行速度稳健、有力来展现出一种威武雄壮之美。如《中国人民解放军进行曲》、《人民海军向前进》等。

3、戏剧性风格:

由于歌剧的声乐部分主要表现人物性格、戏剧冲突,因此,它的戏剧性很强。演唱歌剧作品,必须抓住人物的特征,抓住故事发展的情节线索,努力塑造人物形象,唱出戏剧性的艺术效果。例如:演唱《斗牛士之歌》就要用歌声与形体表现塑造斗牛士埃斯卡米洛的潇洒、英俊、英勇无畏,同时是个风流多情的美男子形象。

4、艺术歌曲的抒情风格:

凡艺术歌曲,其风格多以抒情为主。在演唱这类歌曲时,要根据不同内容规定的情景,才用不同的表现方式。演唱表现爱情为主题的欧洲古典艺术歌曲时,要掌握那个时代作品演唱的风格特点,即室内乐的演唱风格,音量上不追求强有力的戏剧性效果,对声音力度要加以控制,同时,更好地采用强、弱力度的变化和刚柔相济的音色,描绘浪漫的情调和诗一般的意境;但是,表现那些揭露现实,暴露黑暗的现实主义风格的作品,像《跳蚤之歌》,就要唱出它的戏剧性、讽刺性的风格特点;现代艺术歌曲,其音乐风格与演唱风格的多样性,是时代发展的必然结果。优秀的艺术歌曲,多采用现实主义与浪漫主义相结合的创作手法。从演唱上的要求来看,需要将表现现实内容的戏剧性、抒情风格同浪漫性的抒情风格结合起来,使其具有强烈的时代气息和巨大的艺术感染力。

3.浅谈声乐的艺术指导 篇三

一、声乐指导

声乐教师除了传授演唱者演唱技巧外,也要帮助他们完善作品的艺术表现。当一个演唱者与钢琴伴奏为作品进行了无数次处理后,就需要声乐教师对其进行进一步的指导。演唱者平时的声乐训练多是针对某一个问题,某一个部分,这种训练是片段式的,因此他与钢琴伴奏在配合一个作品时所发挥出来的声乐技巧很可能也是不完整的,欠准确的;但一首完整的声乐作品是一个画面,一个整体,它又片段组合而成,所以需要声乐教师帮助演唱者学会如何运用“演唱的基础能力(声音的高低.强弱.长短),高级能力(节奏.音色.音量),控制能力(力度.速度.气息)”将平时所掌控的片段组成一个完整的画面。平时的声乐课都是在一个相对安静,独立的教室,只有声乐教师和演唱者两个人进行教学,任何缺点都只有老师和学生知道,每次唱错了也可以重来,一切都是机械性的,无法强调艺术性。因此声乐教师在平时的声乐教学中就应该时刻培养学生的舞台意识,让演唱者把教室当做舞台,把每一次声乐课都当做正式演出,舒展、自信、完整、尽情的表达每一条练声曲,每一首声乐作品。此外,声乐教师还应该鼓励,帮助学生多听、多唱。多唱,可以帮助演唱者增强对作品的分析能力,如音域,旋律线条,歌词内容等。著名女高音歌唱家卡拉斯曾经说过:“演唱者仅有优美的声音是不够的,必需以声音唱完一千首曲子,以便能服务于音乐和表情的需要。一个作曲家已为你写下了音符,但一个歌唱者必须进入音符理解音乐。”多听,就像一面镜子,可以让演唱者变得谦虚和自信。对听音乐会和唱片,能让演唱者逐渐认识各类声乐特点,懂的如何去欣赏和批评,既可以发现自身演唱中的缺点和问题,及早完善自己的演唱水平。

二、钢琴伴奏

钢琴伴奏是一门专业的音乐表演艺术,它与声乐是一种相辅相成的关系。伴奏需要有感情,有艺术表现力的投入,准确把握作品风格和内在意境,为演唱者提供音乐的烘托,丰富的氛围指导和帮助演唱者正确处理和表现声乐作品的内涵,从而达到珠联璧合,相得益彰的意境,只有两者融合为一体,才能完成对作品音乐形象的正确诠释。这就要求“钢琴伴奏具有比演唱者更深更广的音乐修养和知识,他们除了扎实的音乐技巧外,应广涉各类声乐作品,熟知每个时代主要作曲家的风格,对音准和节奏特别敏感,他们也应该知道各种语言的特色,必要时还要有移调的能力”。很多伴奏认为,所谓伴奏

就是根据演奏谱准确无误的把每个音符在钢琴上敲击出来,只要能跟上演唱者的速度,不跑音就可以

了。其实不然,一个优秀的伴奏不仅是一个优秀的演奏者,更是演唱者的艺术指导师。演唱者在演唱过程中,哪个地方感情表现的不当,那个地方音准不好,那些地方速度、强弱表现不准确,那些装饰音忽视了等等一些问题,都需要伴奏给演唱者指出来,并帮助他完善。有些时候因为演唱者身体,环境的原因,需要对作品升调,降调演唱这就要求伴奏必须具备很高的音乐素养,在很短的时间内完成对作品的移调,并依然能够完美无缺的与演唱者配合,完成演唱。好的伴奏在与演唱者配合时能够完全投入,琴声伴随演唱者的呼吸而呼吸,他的眼神不时投降歌者,预感歌者情绪的变化,他以琴声把歌声带入高潮,带领演唱者在放松,自信,积极的状态下融入作品,准确而完美的诠释作曲者的真正思想,会使演唱者越唱越好,听众越听越兴奋。钢琴伴奏是演唱者的导师,助手,是演唱者心情的支柱,伴奏的心情好坏影响着演唱者的心情,他们与演唱者相互依赖,相互支持,相互交替,以人声和琴声把作品串联起来,以音色节奏和变化将听者带入词曲作家精心描绘的世界。

综上所述,声乐的艺术指导是需要钢琴伴奏与声乐教师两方面的进行指导的,但是不是两者的指导可以分开而论呢?不可以,因为一首完整的声乐作品是声乐技巧与感情的融合。如果说声乐指导带给演唱者的是技术的话,钢琴伴奏则是帮助演唱者建立演唱的想象力,树立声乐艺术的情感特征,培养声乐艺术的表演心理,克服演唱紧张心理的良师。声乐教师与钢琴伴奏都需要掌握一定的声乐技巧,都应该熟悉各类不同的声乐作品,理解不同作曲家的思想,写作背景,都是具有很高音乐修养的人。演唱技巧服务与作品给作品以骨架;钢琴伴奏帮助,引导演唱者诠释作品的情感,思想,意境,给作品以灵魂,只有骨架和灵魂结合才能诞生富有生命力的作品。声乐教师与钢琴伴奏相互配合,相互弥补,才能培养出优秀的、全面的演唱人才。

多年来声乐的艺术指导这一问题,是很多声乐教师和演唱者关心和探讨的问题。很多声乐演唱者都忽视了艺术指导,把一首作品的完成好坏,都归于演唱技巧的高低。实际上,一切技巧都是在为音乐服务,音乐又是艺术的一种表现形式,那么演唱的艺术性的重要作用就可想而知了。而且有些伴奏从意识上将自己扮演的角色与演唱分开,忘记了自己是引导和培养演唱者的良师,是演唱者的合作者,将声乐作品的演奏谱当做了钢琴的独奏谱,无法与演唱者溶为一体。因为这些问题,声乐的艺术性很难完美的体现。“作曲家的愿望是表达艺术美,演唱者的愿望是服务于作曲家,而公众的愿望是听赏艺术美。”如果演唱者需要完美的传达作曲家的艺术美,就必须在有过硬的演唱技巧的同时,加强自己在音乐上的艺术修养,这就需要声乐教师,钢琴伴奏与演唱者共同努力了。

参考文献

[1] 《卡拉斯在美国朱利亚音乐学院讲学集》[美]约翰•阿多因著

[2] 《有心如歌》席幕德著。

4.声乐艺术应用论文 篇四

关键词：声乐艺术;想象力;培养

声乐不仅是一种表演，更是一种艺术文化，也是一种美的体现，相对较为抽象，这就需要有一定的想象力，尤其是对表演者。

在声乐艺术中，应该注意想象力的培养，充分的联想，表情、声调随着想象的情节变化而变化，创造一种歌曲的意境，一首歌曲的演唱是对歌词背后的故事的述说，需要乐理、歌者内心的情感，加上充分合理的想象综合的表达。

以下对声乐艺术中的想象力做详细分析。

一、声乐艺术特点

声乐是一种传统唱法，包含民族唱法、通俗唱法及美声唱法。

歌曲需要通过演唱来表达，将文字加曲调完整的表现出来，需要歌者具有一定的能力。

声乐演唱首先是对演唱内容的理解，根据歌中人物或作词者的感情，以及歌曲的时代或故事背景，不断领悟其中的特殊感觉，从而努力达到一种共鸣;其次是丰富的想象力，根据歌曲凭空想象场景，在脑海画像，描绘出动态的一组画面，并且身临其境，

作为画面中的一个主角，体味演唱;再次灵活运用自己特有的声音，生动委婉的演唱，充分发挥美妙的声音，根据不同歌曲掌握不同的声乐唱法，从而做到演唱韵味十足;科学的运用演唱技巧，音色、音质、感情充分结合，将演唱从一首歌曲升华到一种艺术，做到声情并茂，完成对声乐艺术的完美表达。

二、想象力在声乐艺术中的重要性

想象力是在固有的物质基础上在头脑中塑造出的一种新的形象，是声乐艺术中的重要组成，可以深化声乐表演。

一首歌曲的歌词单单是文字的表达，歌唱是一种展现画面的简要途径，而在这个过程中想象力就发挥着至关重要的作用，例如《桃花谣》中“桃花美，桃花艳，开在那三月间，桃花儿红，女儿美，梦儿飞满天”，演唱时需想象三月桃花盛开，粉红染了一片的场景;《为了谁》中“泥巴裹满裤腿，汗水湿透衣背。

我不知道你是谁，我却知道你为了谁”，所有的歌词都需要想象刻画那种画面，一点一滴的表达，通过合理充分的想象来寄托歌者对歌曲内容的那份感情，继而形象生动的演唱。

可见，想象力在声乐艺术中的重要性。

三、如何培养声乐艺术中的想象力

(一)树立正确的人生态度

歌唱和人生有着密切的关联，演唱的声乐歌曲，或许是一件事情，或许是一种情感，或许是一个现象，又或许是一个人的一生。

但不论是什么，都需要借助歌者淋漓尽致的演唱来体现。

声乐表达的大多是比较积极、意义深远的，这同样需要有积极的人生态度，树立正确的人生态度，有利于帮助判断歌曲叙述内容的动态方向，从而有助于发挥想象力，正确、高效的把握歌曲。

(二)拓展声乐实践

在声乐的学习中，仅仅是掌握声乐的一些理论并不能提升对歌唱的表达，还需要不断拓展声乐实践，在实际演唱中一点点训练，不断将技巧与情感结合。

在各种场地适应自己声乐歌唱的表达方式，通过练习不同题材的歌曲、多样叙述方式的歌曲，在不断的实际锻炼中积累经验，创造出一定的想象空间，训练想象力融入到歌唱的能力，一步步提升歌唱水平，不断的巩固和发展自我。

(三)提高文化素养，拓展知识领域

文化素养起着一定的决定性的作用，特别是在声乐艺术中想象力的发挥，如果不具备一定的文化素养，有可能无法形象生动的想象出歌曲的背景画面。

提高文化素养，通过对各类文化的不断学习，尤其是国内外的传统文化，传统文化更加利于体会声乐歌曲的时代韵味。

做到不拘泥与音乐学科这一门，可以拓展知识领域，多了解一些其他领域的文化，例如传统美学、汉语学等，开拓阅历，丰富精神层次，可以帮助歌者以一个全新的视野对歌曲进行审美，避免受到知识广度的束缚，无法充分理解想象。

(四)生活中留心艺术

人常言“艺术源于生活，而高于生活”，在生活中留心艺术帮助歌者更深刻的体味生活的五味杂陈，喜怒哀乐，欢聚离别，各型各色的人，各种各样的生活，共同组织成一个大的集体，作为这个集体的一员不可能所有都亲身经历一遍，但却可以通过观察、留意将生活的点滴印在心里。

遇到类似歌词可以轻松抓住核心情感，更加利于歌唱的表达。

从生活寻找艺术，同样可以激发歌者的创作，对歌曲的把握更为灵活。

四、结语

综上所述，在学习声乐的过程中，充分的发挥想象力有关重要，可以帮助发挥歌唱技巧，使歌唱更加具有渲染力，且良好的想象力能够冲击歌者的灵感，帮助其在声乐艺术中的创作。

想象力在歌者的学习和歌唱表演过程贯穿始终，是一种声乐艺术完美展现的有利因素。

在声乐艺术中，充分重视对想象力的培养，通过树立正确的人生态度、拓展声乐实践、提高文化素养，拓展知识领域、在生活中留心艺术来实现在声乐艺术中培养想象力。

[参考文献]

[1]吴喆.声乐演唱中审美想象的作用分析[J].青春岁月,,06:111.

[2]赵曙光.浅论声乐演唱中想象力的运用[J].新课程研究(上旬刊),,02:189-190.

[3]刘曼君.论声乐教学中想象的作用及歌唱想象力的培养[J].怀化学院学报(自然科学),,11:111-113.

[4]孙凯,罗卉.声乐表演艺术中的想象力及其培养[J].涪陵师范学院学报,2006,06:125-128.

5.声乐艺术研究论文 篇五

声乐作品中的情感表达具有丰富性和复杂性的特点，在声乐作品的表演过程中情感的表现对于声乐艺术的演绎效果具有直接的影响。

因此应当重视对情感在声乐艺术中的表现的研究，不断地增强情感表达的效果，提高声乐艺术的表现力。

关键词：情感;声乐艺术;表现

在声乐艺术的表现方面，虽然表演技巧和动作对于音乐作品的演绎具有比较重要的影响，但是在声乐艺术表达的过程中，不能忽略了情感因素。

情感是声乐艺术的灵魂，声乐艺术也是情感艺术，它的目的就是为了表达和传递情感，引起观众的共鸣。

在声乐艺术表演的过程中缺少了情感，就会使演唱的过程做作，缺少人情味。

这就要求演唱者在表演的过程中重视情感在声乐艺术中的表现，赋予声乐艺术应有的灵魂，只有这样才能达到比较好的效果。

一、情感在歌唱艺术中的重要性

在声乐艺术表达的过程中，情感具有重要的作用，情感对于歌唱者的水平具有比较大的影响。

声乐艺术通过声音的表达来感动观众，打动人心，如果在歌唱的过程中没有情感上的张力，那么也就难以真正地展现出歌唱艺术的魅力。

情感贯穿到了歌唱的全过程，它对歌唱具有发动、引导以及维持的作用。

情感的存在要求歌唱者在演唱的过程中全身心的投入到其中，要求表达出歌曲本身的情感。

情感对于歌唱的效果具有直接的影响，它要求歌唱者能够主动地控制和把握自己的情感，满足歌曲情感表达的需要。

声乐艺术作为一种比较特殊的艺术，它需要通过声音来表达，因此声音中的情感成为了声乐艺术中比较独特的特点。

试想当歌唱者在演唱的过程中没有投入丝毫的情感，在表演的过程中如同行尸走路一样，那么给观众的感觉是味同嚼蜡，没有艺术上的美感，也体现不出声乐艺术的魅力和价值。

在声乐艺术中，声音、情感和语言是其中重要的要素，在现实中经常发现，同样的歌曲不同的演唱者表达的效果不同，这主要是由于歌曲演唱者表达的情感不同，一些情感表达丰富的演唱者能够很好地打动观众，在情感上产生了共鸣，最终得到了观众的认可。

当歌曲中少了情感的因素之后，声音就变得苍白无力，歌唱艺术也就失去了灵魂。

情感对于歌唱艺术的表达效果具有重要的促进作用，因此在演唱的过程中应当重视情感的表达。

二、增强情感表达的途径分析

(一)恰当地应用联想

联想对于声乐艺术的情感表达具有重要的促进作用，在声乐艺术的创作过程中往往包含了丰富的联想。

对于表演者来说，通过联想可以体会到歌曲的内在涵义，能够了解到歌曲的形象和意境。

通过引入联想，能够使演唱者从情感出发展开丰富多彩的想象，使演唱者在情感的`准备上能够不断地贴近创作者的创作意图。

音乐作品来自于生活又高于生活，它是对生活的浓缩，音乐作品往往蕴含了丰富甚至复杂的情感。

通过联想能够帮助歌唱者了解到音乐作品的背景，能够了解歌曲所表达的意义。

在联想的帮助下，能够使演唱者不由自主地沉浸到歌曲的意境和氛围中，从而表达出歌曲本身的情感。

例如在演唱民歌《茉莉花》的过程中，往往能够使歌唱者进入到茉莉花的氛围中，似乎真的花朵就在眼前晃动。

通过这样的联想活动，能够使演唱者和观众都受到感染和感动，这就要求演唱者具有一定的情感准备，只有这样才能更好地呈现出音乐作品本身的面貌。

(二)合理地调节演唱中的情感

几乎所有的声乐作品都包含了情感，都需要进行情感的调节和控制。

演唱者在演唱的过程中往往会不由自主地带入自己的情感，但是当这种情感不符合歌曲作品本身情感表达的需要时，就需要及时地进行调节，使演唱者的情感和歌曲的情感能够相互匹配，最终融合在一起。

歌曲中的情感能够给观众带来喜悦，也可能会让观众感受到痛苦。

声乐作品中的情感表达和诠释常常会受到演唱者个人因素的影响，导致声乐作品难以得到比较好的表达效果。

在情感融入到声乐艺术的过程中，过多、过分的情感都无益于歌曲的表达，在这种情况下，就需要演唱者按照作品本身的情感需要来调节个人的情感。

同时在听一首音乐作品中情感变化可能比较快而且比较复杂，这就需要演唱者具有比较高超的情感调节能力，能够适应不同音乐作品的需要。

(三)正确地控制演唱的力度

演唱的力度对于情感的表达也具有比较大的影响，在演唱的过程中不同的力度所表达的情感不同。

一些演唱者在演唱的过程中没有重视力度的控制，或者在力度控制方面能力不足，导致演唱的过程中情感表达混乱，失去了声乐艺术本身应当具有的魅力和乐趣。

力度表现出了音响强弱的程度，力度也是声乐艺术表现的重要方式，它能够表达出丰富的情感。

在声乐艺术表达的过程中，当力度越强时，往往情感也显得越急迫、雄壮;但是当力度比较弱时，往往情感的表达时比较委婉。

力度常常与速度等结合在声乐艺术中使用，往往能够表达出歌曲的情绪，能够给听众带来不同的艺术感受。

通过恰当地应用力度，能够表达出声乐艺术独特的韵味，表达出独特的情感效果。

三、结语

在声乐艺术表演的过程中，情感占据了重要的分量，情感对于声乐艺术的表达效果具有非常重要的影响。

在声乐表演的过程中，需要将声音和情感很好地结合在一起，只有这样才能增强声乐艺术的感染力，才能使声乐艺术充满了动感，使声乐艺术有了灵魂。

在情感表达的过程中，应当从力度等方面着手，掌握情感表达的规律，最终表达出歌曲本身的味道，引起观众的共鸣，增强声乐艺术的表达效果。

【参考文献】

[1]孟宪旭.浅谈情感在声乐艺术中的作用[J].中学课程辅导(教师通讯)，，20.

6.声乐艺术研究论文 篇六

它不同于文学诗歌，也不同于纯粹的器乐表演，它有自己独特的风格。

声乐艺术包括创作的歌词、歌曲和最后审美的过程。

本文论述了声乐的构成和审美，声乐结构与审美完美结合，相互促进。

关键词：艺术美;声乐;审美

1声乐艺术的特点

1.1音乐与语言结合：声乐最突出的特征之一就是语言与音乐的结合。

声乐语言，从创作到演唱，划分为三个阶段。

它是一个词作者根据物质生活或已有的音乐创造了一种典型的文学语言———歌词。

歌词的特点是音乐性强，朗朗上口;二是通过对歌词内容理解的基础上谱曲———旋律音调;第三是通过歌词和旋律来重新创作，将声乐生动的演绎出来。

从曲调的旋律中体会出，它不能脱离音调和节奏，特别是一些丰富的民族声乐作品，丰富的民间歌曲之间几乎可以被认为是其民族语言或地方语言的延伸，因此，声乐艺术不仅是一种音乐艺术的语言艺术，而是音乐的语言艺术。

它比单纯的乐器更直观，比单纯的语言艺术更具音乐性。

1.2思想与情感的抒发：歌唱艺术以表达思想和感情为特色，歌唱艺术的美，是以音乐语言为载体，把各种思想和情感放在人们的生活中。

歌唱艺术的美妙之处就在于作者把内心的想法和感受以声乐化的语言为载体，与听者产生某种共鸣之后，它会让人们感动或受到影响。

所谓“一声唱融神处，毛骨悚然六月寒”(朱权《太和正音谱》)[1]，给人一种很深的感觉，在这首歌中，在心上所引起的共鸣和震撼是强大的。

因此，它是许多歌手歌唱艺术的最高境界，是灵魂歌手的代表。

这位歌手用心灵来进行艺术创作，体味到了艺术的理念。

歌手与听者的心心相通，一同来完成艺术创作与艺术欣赏的全过程。

2声乐艺术的构成

追溯音乐史的发展，音乐美的初始表现在一个全面的音乐体裁形式。

声乐艺术是通过音乐的发展和一个全面的艺术形式，它不仅与纯文学的诗歌不同，而且也不同于工具性音乐，它不是一个简单的文学作品，它具有独立的人格、规则、原则和表现。

有它自己独特的艺术价值，给人以纯净的美。

因此，声乐表演艺术的总体结构，不可或缺。

2.1歌词：歌词是作为诗歌或词曲来唱。

歌词之美美于形式结构、意境。

它是语言的运用，生动、简洁、全面地为之歌唱表达生活的内容和理念。

它是美国歌曲不可或缺的组成部分。

歌词是诗歌的文学语言形式，同时又是歌唱的用心创造，所以它必须是简洁、准确、优美的，用最基本的词语来概括人们的思想和感情，来反映生活状况。

可以说文字是语言的“灵魂”，通过文字、句子和意义来创造优美的.音乐形象，以实现歌词简洁、美观，从而达到相应的艺术效果。

作为歌词的语言，特别是优秀的诗歌、文字、散文等，一首歌长度不会太长，可以将在一段时间里的复杂的故事、思想表达明确。

2.2旋律：旋律是由不同音高的声音在一定的节奏中组成的。

旋律在声乐艺术中起着至关重要的作用。

它构成了声乐艺术的主体，是用来传递情感和精神内涵的一首歌，传达现实生活中人们的真实感受。

旋律由音调、节奏等组成。

旋律是歌曲的基本需要。

它是一种特殊的艺术风格，体现了时代和个人的独特色彩，这些因素的色调通过各种旋律的发展手法，塑性创造一个完美的声乐艺术形象。

音乐的节奏是一个一种语言的自然韵律，它也显示了某些句式的特征。

在时间和速度上，安排以不同的方式排列，呈现出各种有节奏的图案。

最后，音乐的和谐也是一个不可或缺的因素，丰富了旋律的表现。

2.3声乐作品的创作要领

2.3.1对风格的把握：中国是一个多民族的国家，不同的地方有不同的地理风格。

在歌曲创作中不可分离民族特色。

掌握了民族风格和特色，是创作歌曲的基础。

没有民族音乐元素，谱写一首好歌很难。

2.3.2歌曲个性的突破：歌曲的个性主要表现在2个方面。

歌词与曲谱，两者相辅相成，相得益彰[2]。

1、歌词的锤炼。

研究者在声乐作品中做了数百个研究，发现了一个共同的特点：所有美丽易唱的经典歌曲，歌词很精炼，歌词中总有那么一个词或句子可以让人兴奋或心潮澎湃。

7.浅谈声乐演唱的艺术美 篇七

一、声乐演唱的音质美

声乐是人声的艺术, 要充分发挥人声的艺术表现力, 就必须具备一定的音质条件。音质是声音的本质, 声音的本质是决定发声效果的关键。气息的深浅、音域的宽窄、音响的强弱、共鸣的明暗这些因素都决定着演唱者的音质美。

常言道:气巧则声优。轻巧的呼吸是演唱者音质美的首要构成因素, 气息是声音的动力, 是发声的源泉, 也是声音的根本, 没有气息就没有歌声, 更谈不上音乐以及能否给人带来美感。作为声乐艺术的支柱, 能否精巧的运用气息不仅关系着歌曲的整体艺术美感, 而且关系着歌曲的旋律美、字音美、行腔美。因为气息与歌唱的咬字、吐字有着密切的关系。咬字、吐字需要在气息的支持作用才能唱的美, 但是也不能光有气而无字, 这样唱出来的声音给人的感觉是虚而泛, 无可谈及美感。

音质美还要求有较宽广的音域, 它要求在人声的自然形态的基础上加以扩展, 具备足以适应各种声音的要求, 能够在一定音域的范围内负荷声音的变化幅度。做到高音上得去, 低音下得来;音高声不竭, 音低声不虚。能够自如地控制音域中的高低变化, 增强发声的艺术表现力与美感效果。与此同时, 音质美还要求音响的强弱等能够得到适度的调节与变化。

演唱者的音质的美与否, 与是否运用及充分发挥共鸣的作用也有着密切的联系。因为共鸣是扩展音响、支持音高、调节声区、变化字音、美化音色的关键与枢纽, 没有良好的共鸣就根本谈不上美好的歌声。共鸣的作用还要与音乐的旋律变化与情感表达的要求相协调, 使音色的情感因素为字正腔圆、声情并茂的整体艺术效果服务。

由此, 人声的音质美是声乐演唱美的重要前提和基础。

二、声乐演唱的字音美

声乐是一门音乐与语言相结合的综合艺术。语言是声乐的重要组成部分, 歌曲的旋律都是在语言的基础上才有可能产生的, 与其他姐妹艺术相比, 歌唱的特点以直抒人们的心声见长, 各种乐器都能演奏出美妙的音乐来, 但只有歌唱的乐器是能够发出语言的音乐, 也正是由于它是带有音乐的语言, 因此在传情达意上最直接、最准确、最亲切, 最易被人们所接受, 也最富有感染力, 最能引起人们心灵的共鸣。

汉语是有声调的语言, 不同民族歌曲风格的表达都与声调有着密切的关系。作为演唱的歌词, 要求其语言像一首诗、一首词, 精炼短小, 美丽动人, 富有诗意, 充满感情。好的歌词往往能高度地概括所要表达的内容和情感。作为歌词, 其语言要有色彩性和规律性, 这样才能使这些动人的诗句具有很强的歌唱性。俗话说, 歌词是能唱的诗。因为它有诗的意境和感情基础, 也可塑造出成功的音乐形象, 还能以此为基础写出更具生命力的优美旋律。

歌唱中的咬字、吐字有一整套的规律。古代音乐家魏良辅曰:“曲有三绝, 字清为一绝, 板正为二绝, 腔纯为三绝。”可见咬字、吐字方法的重要性。歌唱是唱给别人听的, 如含糊不清, 人们不知道你在唱什么, 哪怕你有再好的声音, 也是毫无意义的。因此, 咬字准确、吐字清晰, 唱的亲切而有味, 这就是字美。

没有美好的声音, 就不可能产生美好的歌唱。“声音美”是包括多方面的, 包含了音色的美、技巧的美、表现手法的美。声音纯净、透明、圆润、明亮、甜美, 这是音色的美。声音基本功扎实、气息流畅、共鸣腔体应用自如、咬字吐字清晰等等, 这是技巧方面的美。还有属于艺术表现方面的, 如歌曲高潮、低潮的处理, 声音强弱、刚柔、粗细的处理等等, 都会给人以美感。

演唱的实践告诉我们:演唱者只有掌握了字音的结合规律, 演唱时处理好两者之间的关系, 才能把完美的音乐线条呈现给听众, 满足听众情感及美感之所需, 才能把听众带入优美的旋律和诗一般的意境中去。

三、声乐演唱的意境美

歌唱是情之所使, 兴之所至, 它使人们能够充分抒发心灵的百般情感, 也使听众能进入美妙歌声所描述的意境。唱一首歌, 首先要抓住歌曲的主题思想, 体会内容的深刻含义, 了解歌曲的时代背景, 然后选择相应的歌唱手段, 进行精心的设计, 做到心中有数, 有了思想内容及演唱手段等的依据, 歌唱者在演唱时就能进入特定的意境和角色, 仿佛身临其境, 把自己变成是作品的主人公, 这样唱起来就会情深意美。黑格尔说过:“音乐所引起的只是一种朦胧的感情共鸣, 听众情感很容易越出这种意蕴朦胧的内心因素, 把我们主体内心情况摆进去, 达到物我同一状态。”所以音乐足以打动我们的感官, 使听众达到不同程度的感动之外, 也给歌唱者本人以最大的角色参与。

声音作为音乐材料, 本是无貌无形的, 但当歌者对其倾注全身心的热情时, 它就开始展现出它的形式和意蕴。歌曲的意境美在音乐中不单单是以直观的形象来体现感情的, 而是侧重于情中景、景中情, 通过情与景的统一来达到艺术效果, 来体现出声乐演唱的意境美。比如女高音独唱曲《我爱你, 中国》完全就是一幅描绘祖国大好河山、美丽风光的意象大作。歌曲对祖国大地的春苗秋实、森林山川等作了生动的形象描绘和细腻的刻画。通过对祖国自然风光的描绘和赞美, 主人公鲜明生动的艺术形象栩栩如生的展现在眼前, 这就要求演唱者在自己的心理意境中“看”到这些景物和画面, 并移情于它, 在此基础上再去进行二度创作, 才能使自己的演唱更加真切感人, 好的演唱还应该把自己美好的声音、动人的感情通过眼睛、面部表情、手势等将作品中的喜怒哀乐传送给观众, 如果只是口唱心不唱, 口唱面不唱, 那么这样的演唱是不会有感染力的。想象力愈活跃的歌者, 其对于歌曲感情内容的表达才会愈深刻, 这样歌曲所表现出来的情感才会更有深度, 音乐的表现力也会更强。

俗话说的好:艺术来源于生活, 又高于生活。这句话印证了现实是艺术美创作的源泉, 而想象与情感则是构成艺术美的不可或缺的重要因素。音乐演唱在整个音乐实践的过程中, 实际上是体现了一部作品的创作从现实生活中取材, 再上升到精神境界, 再由精神境界向物质的表现转化的一个逻辑的继续。作曲家的创作来源于生活, 但其创作只是一种精神表现, 只有通过演唱者的实践演唱才能使它转变为可以体察到的实在的表现。

浅谈普契尼的创作心理

鲍卉

(韩山师范学院音乐系广东潮州521041)

【摘要】通过普契尼的身世背景以及当时他所处的时代, 剖析他的创作心理和特点。并简要分析她笔下的情感型女性人物。【关键词】普契尼;歌剧;创作心理

大凡熟悉歌剧的人们都应该知道, 普契尼在意大利歌剧历史中占有举足轻重的地位。他是继威尔弟之后的意大利歌剧创作领域的领军人物。许多经典的歌剧作品都出自普契尼之手。1858年, 普契尼出生于一个音乐世家, 祖辈两百年来都在大教堂担任乐监。幼年丧父后, 从此他就生活在一个以女性为主的环境中, 与母亲和姐姐们相依为命。母亲始终尽自己最大的力量去帮助他实现他的理想, 这使得普契尼对母亲和关心他的姐姐一直怀有深深的依恋, 生活的经历促成了他敏感、细腻而有些脆弱的性格。这些原因又形成了他的阴柔的心理和气质, 甚至深深的影响了他的创作手法。

几乎普契尼的每一部作品都以悲剧收场。他和所有的歌剧作家一样, 都钟情于创造悲剧。也许正因为歌剧源于古希腊悲剧, 又或许悲剧最容易打动人心, 具有很强的震撼力、激烈的矛盾冲突和抗争性, 并且最容易创造戏剧性的高潮。我们不难看出, 普契尼一生创作的十二部歌剧作品中, 大多数都塑造了令人难以忘怀的女性形象。而由于成长的经历以及偏爱古希腊悲剧的原因, 使得他笔下的大多数女性人物均以悲剧性的命运为主, 在遭到无情的打击和摧残后, 最终无法摆脱死亡的结局。无论是《维利》、《绣花女》还是《托斯卡》、《蝴蝶夫人》等等无一不是爱情悲剧, 这全都给人们的心灵留下沉重的压抑。维利死了, 咪咪因病而亡, 托斯卡和巧巧桑绝望的自杀身亡, 她们在普契尼的歌剧里死得美丽、死得动人。显然, 普契尼歌剧的戏剧性, 正是建立在这些美丽纯真的女性死亡的基础之上。因而, 是残酷的, 却也很容易渗透人心。

普契尼用他精湛的音乐笔触, 一咏三叹地展现美好善良的女性被命运和邪恶的外力所摧残的过程。同其他歌剧大师笔下的女性人物相比, 普契尼所创造的女性更具有感染力。她们多是生活在社会底层的女性, 对生活、对爱情充满着美好的向往, 但是命运却无法被自己掌控, 灾难打击来临时, 她们只能默默承受。普契尼的歌剧更多的是表现男女间纯真的爱情以及朋友间真挚的友情, 虽然总是善良而平淡的, 但却是更加贴近人们的生活。在他所创造的女性人物中, 大多数为典型的内向悲剧型性格。她们“为爱而生, 也为爱而死”, 无怨无悔, 往往都是默默的以身殉情。诸如咪咪, 巧巧桑、柳儿都是这种典型人物。应该说, 这种典型的内向悲剧型性格构成了普契尼歌剧作品中女性人物性格的基调。

作为威尔弟的继承者, 普契尼无疑代表了威尔弟之后意大利歌剧创作的最高水平。他一生虽然只创作了十二部歌剧, 然而每一部都能代表他的水平。普契尼生活的时代是一个平稳的时代, 那时的意大利基本完成了统一。战争远离, 原先的那些为祖国的利益牺牲的英雄主义失去了现实的基础, 人们开始热切追求舒适安稳的生活, 追求和平年代的细腻心理变化。在这个前提下, 艺

然而, 只有现实的依据和精神的创作是不足以完美表达作品的, 如果没有演唱者的音质美, 就无法实现演唱美;没有字与音的完美融合, 就无法实现演唱的字音美与行腔美;没有想象, 就没有了意境, 就没有了意境美, 也就无法产生特定的审美感受。而演唱者只有在现实美和精神创作美的前提下, 将音质美、字音美和意境美融合为一体, 同时体现在作品中, 才能使声乐演唱的艺术美得以完美体现。

术家们开始用现实生活中最平凡的小人物来取代国王、上帝或英雄人物。他们逐渐把创作的眼光投向了现实生活, 细心观察身边的人物, 毫不夸张的反映他们的生活。于是, 就应运而生了文学艺术界的一个新思潮“真实主义”。这股潮流也深深地影响了同时代的普契尼, 在他短暂的创作初期之后, 他也加入了真实主义运动的行列。在他的《绣花女》、《托斯卡》、《蝴蝶夫人》等剧作中强烈地反映出这种新思潮的风格。所以普契尼的歌剧是顺应时代的要求, 更接近普通人的心理, 更容易打动人。正是这些普通人最敏感的、最容易体会感受的情感冲突, 是普契尼歌剧深入人心的主要因素。

和威尔弟大气磅礴、充满阳刚的气质相比, 普契尼的歌剧中却时常流露出浓浓的女性气质。或许是受了家庭环境的影响, 他的歌剧抒情而细腻、多愁善感, 既没有奥赛罗、厄尔南尼、游吟诗人那样的英雄, 也没有阿依达、苔丝德蒙娜那样的“强”女人, 他作品里的男性都是浪漫的艺术家。我们还很容易发现, 她的歌剧几乎都以女性名字命名。而威尔弟的歌剧大多以男性命名, 主人公体现的都是男性的英雄气概。这或多或少的说明了一些他们之间心理和气质上的差别吧。

比起威尔第来, 普契尼的歌剧作品少了些英雄气概, 但他更注重人性的本质和情感的细腻描写。他创作的歌剧虽然没有浓厚的政治色彩, 没有崇高的理想, 没有惊天动地的英雄人物, 但他的作品优美、流畅, 他剧中的实实在在平凡人物更贴近自然的生活, 细腻而富有人性化, 更容易让人们产生共鸣。他的歌剧继承和发展了威尔第的风格, 他把意大利民族擅长表现抒情和细腻情感的优点发挥德淋漓尽致, 他的旋律里透出的那些情感真诚德可以时刻抓住听众的心, 无论来自哪个阶层的听众。

普契尼所创作的十二部歌剧, 可以说每一部都是他的精心之作。在他的歌剧中, 戏剧化的矛盾冲突、热烈而紧张的舞台气氛、抒情伤感的音乐风格, 寻常百姓的心理和贴近生活的琐事, 以及他对现实中社会底层的“小人物”的同情心。无一不打动人心。无论是歌剧男女主角的爱情悲剧, 还是充满异国情调的音乐, 全都会一一渗透进每个听众的心灵深处。

参考文献

1. 马骅《普契尼笔下的情感型女性》[J].歌剧, 2003, (113)

2. 杨燕迪《普契尼的歌剧创作道路——写在普契尼诞辰140周年之际》[J].音乐艺术, 1998, (4)

鲍卉 (女, 1979.10) 广东韩山师范学院音乐系声乐教师, 助教, 主要从事声乐教学。

参考文献

[1]余笃刚.声乐艺术美学[M].北京:人民音乐出版社, 2005.10

[2]赵淑云.走进音乐—歌唱艺术与实践[M].杭州:浙江大学出版社

[3]王次炤.音乐美学新论[M].北京:中央音乐学院出版社, 2003.1

8.声乐中表演艺术的作用浅谈 篇八

【关键词】声乐演唱　表演艺术　音乐形象

声乐是通过声音塑造音乐形象、表现情感，通过对音乐家创作的成果实践音乐作品的表演来塑造音乐形象的艺术形式。这就要求一个好的歌者除了具有高超的发声技巧外，还得需要一定的表演能力。因为声乐艺术不但是一门听觉艺术，而且还是一门视觉艺术，通过表演者的表演和歌唱这一综合表象。传递给观众以声乐表演艺术的外部和内部的感官触觉，表演在歌唱中的地位不言而喻。歌唱是用人嗓发出的声音表现人类感情的艺术，声情并茂是其艺术的创作原则，而要做到声情并茂则需歌者将自己的感情注于歌唱之中，用以情带声的演唱达到以声传情，声情并茂的目的。

一、声乐演唱中的表演

声乐演唱是一门实践性很强的艺术，具有感人至深的艺术力量。它是继声乐作品依词谱曲或由曲填词后的第二次创作，它既忠实于原作也需要在一定尺度内进行重新加工。表演要使形体、眼神和情感都能恰当地表达其内容与形式艺术上的完美统一，达到审美上的形、神、韵要求。声乐演唱中的表演应具有表演的一般特征，但又应具有自己所独有的特征。演唱者一方面要表达作者的意图，另一方面还要对歌曲进行表演，进行再次创作，这样歌曲才更具生命力和感染力。演唱者要在自己的头脑中唤起内部视觉意象，这种意象是在歌曲规定的情景中所创造出来的，要使歌曲内容表演的真实可信，把歌曲的情境变成演唱者自己表演的情境。每一首歌曲都有特定的情境，不同歌曲的情境，就包含着不同的时间、人物、地点、景物等视像，声乐演唱者要准确地理解、认识和运用这些特性。

二、表演在声乐演唱中的一般机理

首先，表演是声乐作品内涵分析与声乐技巧的结合。演唱者在表演一首声乐作品时，除了要拥有好的发声技巧外，还应该具备很好的音乐理解力和敏锐的想象力，也就是要求对声乐作品内涵要加以仔细的分析。只有做到这样，才能够很好地去表现一首声乐作品。其次，表演是演唱者心理、文化素质的内在转换。作为优秀的演唱者，应该要具有多方面的素质。在具有娴熟的演唱技巧和完美的表现力的同时，还应该具有良好的心理素质和文化素质，表演是演唱者心理素质和文化素质的内在转换。声乐演唱，要求演唱者不但要有高超的歌唱技巧，还要有良好的心理素质，演唱者的心理素质如何直接关系着演唱的成败。因为对演唱者来说，表演也是一种心理素质的内在转换。声乐演唱要求演唱者在理解原作的基础上，赋予声乐作品以新的内涵。而演唱者文化素质的高低，就直接关系到他对声乐作品的悟性和理解力。所以在我们注重发声技巧外，还要求我们丰富和提高自身的文化素养。

三、歌唱中的声情并茂和以情带声

歌唱是人类用已抒发和交流思想感情的最自然、最亲切、最直接的一种艺术形式，因此歌唱中以声带情，以情感人是艺术创造的核心。有人说，歌唱是最动听的音乐。其动人之处就在与他有动听的声音，表现动人的感情两者完美的融合实践声情并茂。声情并茂既是歌唱艺术美的创作原则，也是审美的标准和要求。然而在歌唱中要做到声情并茂，则需要歌唱者将自己的感情倾注于歌唱之中，以情带声的歌唱达。

艺术是以情感交流为目的的，思想感情的表达和接受需要相对一致的，只有这样才能达到彼此之间理解和感动，因此声乐艺术的表现力取决于能否把握并且恰当地表现出人们共通的情感、思想。我們常说“对牛弹琴”就是这种思想感情基础不一致的结果，于是声乐艺术就需要我们认真研究情感表达方式和有关问题，应注意通过声音的形式表达作品的思想感情，掌握理智通过声音的调节而恰如其分地表现内心的方法，然后熟练地运用这些技能技巧，全身心地随心所欲地投入艺术表现中去。

在声乐演唱的过程中，要始终强调歌唱发声技术是为歌唱内容服务的，尽管科学的发声本身就具有丰富的艺术性，包含了我们审美的意识和追求，体现了人声美的艺术价值。作为歌唱的内容，表现的情感。情绪，情景等才是歌唱的实质，所以我们要求声乐的歌唱中“以情带声”，这样才能使声音更加完美，更具艺术性。“以情带声”首先是建立在声音的基础上的，声音是歌唱的先决条件。“情”只有建立在物质的声音基础上，才有可能表达内容，情感依附于歌唱声音基础，通过优美的声音表现丰富的感情。

准确表达歌曲的内容。歌唱者在演唱歌曲之前首先要对作品的风格进行了解，要深入理解演唱作品的内涵和意境。一个修养较好的歌者，在他的内心深处。不但能对所有演唱作品有深刻的认识，同时在表演的时候，还能把握作品的风格。不会因为自己技巧的缘故而过分的渲染，夸大作品的内容、内涵，也不会因为其他效果而疏忽作品的一些细小的地方。他能够维持作品在发展中的平衡，作品通过演唱者的表演带入作品的意境中去，而不同的作品处理也不同。作为一个歌者，你必须明白自从你一走上舞台，你的步伐、表情、笑容、服饰、发型、手势、眼神以及示意，哪怕是一个微小的动作都是对作品内容的一种表现，都会被音乐厅里的每一位观众注意。你一定要注意台上的一举一动。有些人喜欢以哗取宠来取悦观众。这些是不必要的，也是不足取的。一个优秀的歌者应该是用心来歌唱的。切忌过分的渲染，因为那样观众会感觉你在作秀，会破坏舞台及演出气氛。歌唱者在舞台上对歌曲内容的传达主要靠的是声音，以声音表现作品是前提。只有在这个基础上表演才能达到它的美化作用。