水彩毕业创作感想

2024-11-08

水彩毕业创作感想（精选3篇）

1.水彩毕业创作感想篇一

我国当代水彩画艺术创作的困境论文

摘要：随着水彩画艺术逐渐成为主流艺术画种，水彩画在经过了波峰的发展，在人文社会多元化发展的大形势下，水彩画艺术又出现了回归传统的趋势，表面上看起来，在艺术理论的发展中，跨越与回归似乎是一个永久的主题，正如艺术发展的演进过程中，从上个世纪至今就不断出现的现代与后现代的反复交替，直到艺术理论体系的最终形成，而当代水彩画也随着这种趋势在两种回归潮流中不断反复，我国当代水彩画艺术特别是创作方面出现了很强烈的倒退，这种倒退被成为创作的困境。但是短暂的困境必然伴随下一步快速的崛起，未来发展的需要必然能够助力水彩画艺术创作再攀高峰。本文从水彩画艺术创作的困境着手，着眼于未来的发展进行研究。

关键词：当代水彩画艺术；创作；困境；未来发展

水彩画是西方的舶来品，改革开放后在我国逐渐发展起来，我们的水彩画家在不断吸收西方水彩画的精华和技法同时，也不断的将自身的文化艺术和传统精华融入到水彩画当中，不断的进行了改良和探索，最终形成了独具中国特色的水彩画艺术内容和独特的水彩画创作技法，随着这些结合的不断跟进和成熟，我国当年的水彩画在本世纪初达到了一个巅峰，水彩画已经真正的做到了与其他大画种进行比肩，在第九届全国美术作品展中，水彩画与油画、国画均取得了三个金奖，可谓是平分秋色。但是随着社会变革的加速，多元文化不断冲击着人文社会科学领域的快速发展，使得水彩画艺术创作一度陷入了传统的回归，而这种回归并不等于上世纪末的理性回归，上世纪末的理性回归伴随的是传统技法与西方艺术的融合，一种过渡阶段的崭新发展而非真正意义上的倒退，相反，在我国水彩画艺术创作融入了传统艺术创作技法和传统的、民族的艺术要素后，水彩画反而成就了发展的巅峰，使得水彩画真正的登上了历史的大舞台。

一、当代水彩画艺术创作的困境

正如前面所述，我国水彩画艺术凭借着独有的民族文化和传统文化，以及可以追溯到50前的历史，在不断的融合发展中把水彩画艺术创作推向了一个巅峰的高潮，甚至一度发展成为世界水彩画的殿堂，飘逸的水墨元素和灵活的材料运用，推动了中国水彩画不断的向前发展。然而创作的困境来源于思维模式的固守和灵感的匮乏，面对着日新月异的社会进步和发展现状，中国水彩画逐渐又呈现出一种回归的趋势，一种向传统文化寻找灵感的思维模式。

一方面有学者认为，我国的水彩画传统是水彩画发展取之不竭的源泉，水彩画的发展在某种意义上呈现出的是一种艺术原始积累，而真正的水彩画艺术应该源自于传统和民族的，甚至对西方水彩画擦产生一种本质性的排斥。两一方面一些学者甚至认为水墨画是水彩画的最高级形态，完全剥离了中西方水彩画的内在传承和联系。思想决定行动，当代水彩画的思潮决定了水彩画艺术创作的回归，实际上是一种民族主义和大国主义思想在作祟，并没有正视现代化发展的趋势，开弓没有回头箭，现代化的发展趋势是不可逆转的，而后现代主义实际上是对现代化发展中的一些错误问题的`批评和纠正，促使现代化发展回归到正确的途径上，维护着正义和公平等普世价值。行动的困境直接体现在创作的乏陈可新，体现在艺术的形式的呆板，对新技术的漠视，对原始材料的以来。

为此，当代水彩画艺术创作的困境逐渐影响了新世纪的水彩画艺术创作，一度造成了停滞不前。艺术源自于生活，艺术的价值也体现在社会生活中，如果艺术仅仅是孤芳自赏，那么艺术可能出现极端的艺术价值，也可能不能成为艺术发展的主流形态。所以，总结上述水彩画艺术创作的困境，我们不难发现水彩画艺术创作主要是思想领域的倒退，影响到创作方向的偏差，而这种偏差与西方水彩画艺术创作的发展比对中，就变得尤为地明显，一个再继续前进，一个再逐渐倒退。不论是形式、内容、材料还是创新，都在一种乏陈可新中不断的倒退，让人有种难以触及的悲哀。

二、当代水彩画艺术创作的趋势

当代水彩画艺术的创作发展，其趋势依然在西方的水彩画领域，随着社会的不断变革变化，现代化的新特征和新要素都出现在了水彩画的创新发展中，电子技术和高科技应用在西方水彩画届比比皆是，澳大利亚油画界甚至直接采用电子笔墨进行水彩画创作，创造出了很多崭新的艺术形式和艺术作品。当代水彩画的艺术创作未来发展的根本依然在于现代化的发展趋势，如果不能很好的把握艺术理论发展的基本逻辑，即现代化与后现代化的反复推进，互为补充，水彩画与其他艺术形式一样，必须从根本上摆脱对现代化和后现代化的错误理解，摆脱现代化与后现代化的完全相悖，相反，现代化和后现代化是互为表里，在矛盾中推动事务不断向前发展的根本动力，正是因为有了现代化的激进和后现代的保守，才能在激进和保守中呈现一种发展的大趋势，而这种趋势往往可能会出现水彩画艺术高峰。

从某种意义上讲，现代化和后现代化绝非平衡性很强的一对孪生体，根据艺术理论发展的历史逻辑与脉络看，现代主义和后现代主义往往彼此交缠，一度呈现出了艺术的极端发展，但是形式主义并非是完全的消亡，而是在下一个波峰到来之际，接着很强的现代性而重新出现在人们的面前，并且把基于现代主义的水彩画艺术体系推向了一个崭新的高度，这就是水彩画艺术创作的根本逻辑。

三、我国当代水彩画艺术创作的未来发展

新世纪以来，我国的水彩画艺术在艺术领域上达到了一种巅峰状态，正是一种基于后现代主义的跨越发展，从传统文化和民族特色中汲取了大量的养分，最终将当代水彩画艺术形式和内容，以及材料的创新应用都形成了一个新的范畴，形成了具有中国特色的水彩画创作体系。而未来的水彩画艺术创作根本在于现代性，回归现代性的主流，即科技的现代性和事务的现代性，种种迹象表明，不能够完全的依赖传统，传统应该具有现代理性的回归，社会多元文化创造这些机会和文化基础，科技手段完全能够融入当代水彩画创作的技法，我国当代水彩画艺术创作的未来发展就在于此。

参考文献：

[1]高军.中国当代水彩画市场发展现状研究[J].文化创新比较研究，3月.第34页.

[2]谭家河.水彩画中情感与形式的平衡[D].湖北美术学院，20.第25页.

[3]李振国.当代中国水彩画创作的现实问题及发展空间[D].内蒙古师范大学，3月.第43页.

作者:刘长富单位:哈尔滨师范大学美术学院

2.国画创作感想篇二

“孔雀东南飞，五里一徘徊。”

学生时代的记忆中，初见这篇文章时觉得有些异类，那哀婉的故事打动过很多人的心，而我尤对开头的那句动人而透着忧伤的句子有了深深的印象，而这就形成了我的作品内容。

我所选的是工笔花鸟，并且用绢作为载体，一对纯白的孔雀，在昂扬的春意里凝视满树花开。这是画中最直观的内容，右上方两只小鸟隐匿枝叶中，好奇的观望着孔雀的举动，整体布局选择的是较为舒适的S型，最开始，并没有左下方的山石流水，但因为我的作品尺幅较大，显得将孔雀“悬空”起来，视觉上很不平衡，于是我借用学习时临摹的明朝著名花鸟画家吕纪的一幅画作上的山石加以结合，吕纪画花鸟画十分出色，他近学边景昭，远师南宋画院体格，敷色绚烂，为明代院体花鸟画家代表之一。

既然提到工笔花鸟就不能不说它的发展史。

绵延的中国花鸟画史上，画派渐成，画风传承。五代黄筌、徐熙并起，渐成两大系统，以后继续衍生。明代花鸟画演变成四大系统，一为边景昭、吕纪的黄氏体，二为林良、徐渭的大写意体，三为陈淳的简笔水墨淡彩小写意体，四为周之冕的勾花点叶兼工写体。

五代黄筌、徐熙两大系统是中国花鸟画发展史上的重要的画派衍生。明代花鸟画的四大系统，亦是考察中国花鸟画派衍生之变的重要窗口。边景昭，字文进，博学能诗，擅画花鸟，继承两宋院体工笔重彩的传统，作品妍丽堂皇，精细工致，韩昂《图绘宝鉴续编》称其作品“不但勾勒有笔，其用墨无不合宜”。传世之作有《竹鹤图轴》、《竹鹤双清图轴》（与王绂合作）、《杏竹春禽图轴》、《三友百禽图轴》等。

吕纪画花鸟画十分出色，他近学边景昭，远师南宋画院体格，敷色绚烂，为明代院体花鸟画家代表之一。其作品《浴凫图轴》很好地处理了浴凫与流水的关系，构图大胆，笔墨流畅，设色雅淡，气息清和，体现了明代花鸟画家的娴熟技法和时空营造能力。

林良的花鸟画注重写意，墨气豪放，对于文人水墨写意花鸟画的建树，具有启迪意义。他擅画水墨花鸟，其《双鹰图轴》，气势磅礴，鹰目炯炯，枝叶穿插，墨色淋漓，反映了明代院体画之十足神采。

徐渭的大写意体用笔简练，不求像物，重在写其意趣性情，故称“写意”。他的画较之以前的减笔写意画更为简约概括，放逸豁达，故谓“大写意”。徐渭的作品题材囊括花卉、草木、瓜果、鱼虫、走兽、山水和人物，尤以花卉著名。其《花果图卷》用笔放纵，水墨酣畅，诗画并茂，画坛称颂。

陈淳，字道复，他的简笔水墨淡彩小写意在画坛占有重要地位。他于晚年创作的花卉长卷颇有特色，有时以四季为序，有时时空交叉，颇见水墨组合的视觉冲击力。其《墨花十二种图卷》，画了梅花、兰花、玫瑰、百合、月季、紫薇、秋葵、桂花、芙蓉、菊花、水仙和山茶，姿态各异，繁花烂漫，写意抒情，水墨淋漓。其实，说陈淳的花鸟画贵于简笔水墨淡彩的小写意，这只是注重从沈周的水墨写生至陈淳的水墨写意的飞跃而言，实际上陈淳在晚年的花鸟佳作中已呈现泼墨大写意的体貌。徐渭的大写意笔墨就得益于陈淳。

周之冕的勾花叶兼工写作品，也是探索明代画派衍生之变的必然落笔之处。周之冕的“勾花点叶”源于孙隆、沈周和陈淳之法，他是集大成而用之，推陈而出新。王世贞曾对明代中期三位写意画家陈淳、陆治和周之冕作了评价，所谓“道复（陈淳）妙而不真，叔平（陆治）真而不妙，周之冕撮二子之长”。其《桂子图》、《花卉图卷》都是代表作品。

尽管画派林立，技法有异，可是在注重写生这一点上，却形成共识，绵延后续。宋徽宗赵佶重花鸟写生，他的作品被邓椿誉为“妙体众形，兼备六法” 其《柳鸦芦雁图卷》，尽得高雅之气，柳叶低垂，吟鸦自在，芦雁嬉水，一派休闲清景。其中神韵之妙，不能说和平时重写生、察细微无关。

元代水墨写生画的高手当推陈琳、王渊和张中。陈琳借助写生，突破了传统工笔重彩画技法，以水墨淡彩法描绘物象，形成了富有艺术个性的勾、刷、点、染之法，造型严谨，笔简意高，其《溪凫图轴》为花鸟画史论所褒扬。王渊从写生中得清淡之气，其佳作《花竹集禽图》和《花竹锦鸡图》对后世影响很大。张中在当时被人称为“写生第一”，采用水墨晕染，深得文人写意之神韵，其《芙蓉鸳鸯图》，出笔清新典雅，鸳鸯与水极富动势，堪称从写生中赢得生机。

陈淳绘画也看重写生，其《漫兴花卉图册》自跋中曰：“古人写生自马远、徐熙而下，皆用精致设色，红白青绿必求肖似物物之形，无纤毫遗者，盖真得其法矣。”他还谈到少年时就“有心于此，既而想造化生物万有不同，而同类者又秉赋不齐而形体亦异”。周之冕则善于观察禽鸟生活动态，落笔皆有生意。其绘画成就自然得写生之妙。

清代任颐的画风清丽，其重要原因之一是重视写生，善于捕捉生活感受。任颐《花鸟册》极富生气，实是其对物象感受的笔墨定格。

不管是怎样画作都离不开平时的观察，在生活中不断累积，经过岁月的洗礼方成一帜。回到我的作品，从找资料，构图，绘画，再到最后，我亲自将它裁下，每幅画作的缺点最了解的莫过于作者，它的不足自然尽收我的眼底，可是连这些不足都会成为喜欢它的理由，因为它会教我成长，不管是技法或是生活上，我们对自身的一种境界追求会在未来体现在脚下的路。

当然即便没有大师般的名望，国画亦有韬光养晦之德，温润如玉之美，但凡从前，唯文人墨客得以此技。在慢慢感受笔尖与纸的契合时，心思会变得悠远宁静，或者说是你的画让你必须沉淀下来。

有一位华侨到琴店里买一把七弦古琴，店主奇怪你不会弹买它做什么？华侨却说，我不会弹，可是我喜欢听它的声音，在心烦意乱时，哪怕只是勾动一根琴弦，那铮然清音也让人沉醉。

这和国画该是有异曲同工之妙，都是能带给人心如明镜之意。