小提琴音阶的学习教材（共9篇）
1.小提琴音阶的学习教材 篇一
少儿学小提琴选择什么教材好
作为一名小提琴教师，如何安排学生的课程是一大难题。由于当前出版的各种小提琴教材种类繁多，质量参差不齐，常令许多教师无所适从。有的教师自己本身虽然是不错的演奏者，但在教学上却不能得心应手，这在很大程度上可能就是对教材安排研究不深之故。本人目睹此种状况良久，此文就是想与广大的小提琴教师、学生以及爱好者们交流一下自己的看法体会，以求抛砖引玉，共同促进少儿小提琴教学事业的发展。
一.入门教材
目前大部分教师常用的人门教材，一是传统的《霍曼小提琴基本教程》，二是《初学小提琴100天》(上海音乐学院张世祥教授编著)，以及《铃木小提琴教材》前半部分等等。采用《霍曼》入门，国内外历史都已悠久，它的优点是易懂易记，从E弦开始练习逐步到A弦，再到D弦，最后到C弦，然后结合起来。这个特点很容易被普通学琴者所接受，尤其是5至7岁的儿童，常会被教材中优美的小曲所吸引.增强练琴的兴趣。但它的缺点也正在此处，由于教材注意音乐性的发展与节奏的巩固。对纯技术方面要求就低了一些，待转人深一层的学习后，许多学生容易产生畏难情绪。
《初学小提琴100天》是一本比较科学、系统的教材，它从A弦、D弦开始起步，比较符合人的生理特点，而且很早就转人音阶、琶音、双音、弓法、练习曲与乐曲六个方面的同步综合练习，从人门阶段就为往深层次发展作好了充分准备，同时也加快了传统的练完《霍曼))二册或三册后才分系统训练的练琴进度。但从《初学小提琴100天》人门，我认为并非是每个孩子都能做到的，一般的学习者会因技术要求严格而产生练琴枯燥乏味的感觉。至于《铃木》，曲调优美动听，作为补充教材提高学生兴趣尚可，作为主教材则显单薄。
所以在人门阶段，我主张一般的学生从《霍曼》起步，拉完一册后即可转人系统训练;而才能突出又肯练琴的孩子则可以用《初学小提琴100天》作为人门教材，那样从学琴起就会对小提琴训练树立起全面的概念。
二.音阶与琶音练习
音阶与琶音可以说是小琴训练中最重要的课程之。小提琴大师海菲兹说:“如果只有一小时练琴时间我会用分钟练音阶”，由此可见音阶练习在小提琴训练中的重要性。传统的训练方法在《霍曼》后，多半是采用《赫里美利音阶练习》与《开塞》或《沃尔法特》练习曲进行同步训练。《赫里美利》的功用与优点本文不作详述，但从当今音乐的发展来看，不足之处是显而易见的。
第一，它一开始就缺少减七和弦、属七和弦分解琶音的训练。减
七、属七分解琶音对于西欧古典小提琴音乐来说是随处可见的，可比喻为西欧人的典型、特色音乐语言，中华民族音乐不具备这种音乐语言要素，这就更需要学生们进行耳朵与手上的严格训练。
第二，它缺少三度分奏、四度分奏及半音阶的练习内容，而三度分奏等恰好是小提琴双音训练的手指基础按位练习。
第三，缺少各度数的双音练习，如练完《赫里美利》后再练习另外的双音教材，必造成双音训练的滞后而影响今后的技艺发展。
所以在近年的教学中，采用的是张世祥教授注释的《格里戈良》音阶练习。这是一本非常好的、行之有效的音阶教材，它弥补了上述《赫里美利》诸多不足。从第一把位起就为学生树立了全方位的各种琶音、双音概念，以及系统性地归纳了换把的类型。
三.手指练习
学生的左手指按弦软弱无力、无弹性，肯定会使拉出的声音粘乎乎而无颗粒感，很大的原因在于学生错误地理解了左手指按弦的基本原理。那么采用《舍夫契克》、《什拉底克》等专门的小提琴左手练习，无疑是一剂解决问题的良药。既然把《舍夫契克》比喻为良药，那就存在一个用药量多少以及什么时候用药的问题。用药量过多，可能会起副作用，那就是学生拉出的声音会滑人技术有余而音乐不足的泥坑;而用药量过少或不到位，则会感到左手指灵敏度的不足或是某个手指得不到相同、等量的训练。而什么时候开始练《舍夫契克》，练多长时间，也具有同等重要的意义。我个人教学的经验是学生必须尽早开始这一课程，但训练量却不宜过大。一般来说，练完人门课程后，即可与音阶、练习曲等同步进行安排:练习的顺序可摆在音阶前，每次练5分钟左右即可，但要持之以恒。因为单纯的手指练习比较枯燥乏味，许多琴童都不喜欢，而宁肯将时间大量消耗在练习曲和乐曲上，这对以后的发展是非常不利的。因为少儿的手指肌肉正处在发育期，练出的技巧容易长在手上过了这个最佳技巧训练期，到以后再认识到左手技巧的重要性，很可能就已无济于事或事倍功半。当然，训练《舍夫契克》不能像练音阶一样按部就班，而是应进行针对性训练，如三、四指偏弱，就该多练;双数把位音位不熟悉，就得加强等等。尤其需要注意的是，练习《舍夫契克》，必须严格注意左手手型的固定与准确，切忌为练而练走过场。同时必须严格遵循准、匀、快的原则，不能盲目提高速度。对于较高程度的琴童来说，双音的手指训练具有同等的重要性。
四.练习曲 练习曲，顾名思义就是为了解决学生某种特殊技术而创作的针对性训练曲。有的虽具有相当的音乐性，然而更重要的当然还是在技术性方面的要求。传统的练习曲教程多是遵循《沃尔法特》、《开塞》、《马扎斯》、《小顿特》、《克莱策尔》、《费奥里罗》、《罗德》、《大顿特》这一久经验证的道路而展开的，这在世界小提琴发展史上已成定论，在这里无需加以讨论。针对少儿琴童人门后，以选择什么练习曲作为主课为最佳方案。在这里，我觉得有义务、有责任向众多的小提琴教师们推荐福图纳托夫编选的《小提琴初级练习曲精选》(上、下册)。我之所以郑重推荐这套练习曲，因为它是以现代小提琴教学原则为依据，按照科学的步骤，对各种相近程度的练习曲教材进行筛选后所选出来的优秀练习曲并重新进行了系统而细致的安排，从而使学生们更迅速更牢固地掌握小提琴的基本演奏技巧。《小提琴初级练习曲精选》集中了传统教材《沃尔法特》和《开塞》的精华部分，吸收了《科玛洛夫斯基》、《贝里奥》、《约阿希姆》等教材的长处，从浅到较深.，非常适合少年儿童的训练。可以这样说，如能用二、三年的时间把这套练习曲练好，就一定能为进一步学习《马扎斯》、《克莱策尔》等练习曲打下坚实的基础。在使用和研究了这套教材后，我认为《小提琴初级练习曲精选》至少有三个方面的改进，其功效是传统的练习曲所不能达到的。首先，它在进程的安排上非常适合少儿琴童，进程看似缓慢实则快速。如在第一把位上安排的课程较多，很容易让一些教师产生老牛拉车的感觉，会认为它的进度不如传统教材来得快。其实不然，第一把位是相当重要的根基，对于少儿琴童来说，多花一些时间学习，肯定能在后面把时间夺回来。其次，《小提琴初级练习曲精选》的课程中关注了小提琴演奏横向技术的发展。在传统教材中多注意左手的纵向技术，以一、三、五把位为主，或以二、四、六把位为主，而往往忽视了横向技术的训练，这对以后演奏许多新的作品往往是不利的。而所谓横向技术的概念，则是在原把位上从G弦到E弦的各种左手指越弦动作训练，这要求左手肘要做出相应的舵式动作以求配合，这是许多学生都容易忽视的。《小提琴初级练习曲精选》的下册就为横向技术的发展准备了许多行之有效的练习曲，如1一8课(二把位天9一14课(三把位天52一53课(四把位):54一56课及68课(五把位)等。
第三，《小提琴初级练习曲精选》上册的15首简易双音练习曲无疑填补了初级教材在这方面的空白。双音是小提琴演奏技巧的重要组成部分，它对训练琴童的敏锐听觉，左手指的独立性和运弓平面的控制均非常重要，在学习第一把位练习曲时就同时学习双音练习曲，这在以后的练习过程中，将会更好地树立琴童演奏的自信心，并会大大减少在练习较深练习曲时的畏难情绪。五.乐曲
小提琴是件相当优美的歌唱性乐器，而任何技术最终只是手段，音乐才是本质。当前少儿器乐考级的发展带来了学琴的热潮，但同时也使一些教师和学生产生了某种浮躁心态，我见过一些学生，他们往往只练需要考试的曲目，也许考试的乐曲演奏得还算可以，然而学生真正掌握某一级的演奏能力在实质上却是大打折扣的。我想告诫他们的是，小提琴音乐浩如烟海，虽然我们不可能全部去学习，但更不能以一曲而替代某阶段的练习。
试问，我们在校的学生，每个学期的学习只是反复做期终考试的试卷行不行?答案是“当然不行”。所以，谈到乐曲的课程安排至少涉及到三方面的内容，一是经典的协奏曲、奏鸣曲等;二是相对应的一些小提琴小品;三是中国的小提琴音乐作品。对于后两方面内容，我想可能需要很大篇幅才能说明，本文只能就第一个问题谈一谈教学的体会。协奏曲、奏鸣曲结构复杂，音乐内涵丰富，演奏技术要求比较全面，所以，要想成为一名专业演奏家，在少儿时代就应多学多练，尤其是初级阶段，更需加强了解和练习各种协奏曲、小协奏曲，以求得扎实而全面的演奏能力。
这方面的配套训练大致可分为四个阶段:第一阶段是在把位内演奏的作品，可安排《里亭格•b小调协奏曲》、((科玛洛夫斯基•D大调协奏曲》、《费迪南•库席勤作品11号》、《杨希诺夫•小协奏曲》、((巴克拉诺娃:小奏鸣曲》、《巴克拉诺娃•小协奏曲》、《里亭格•G大调协奏曲》、((赛茨•第五学生协奏曲》、《赛茨•第二学生协奏曲》等一些作品。第二阶段应该是在音阶练习换把之后，应练习的作品主要有《维瓦尔弟•A小调协奏曲》、《维瓦尔弟•C大调协奏曲》、《丹克拉•主题与变奏》、《里亭格•D大调协奏曲》、((赛茨•第三、第四学生协奏曲》、《阿克莱•A小调协奏曲》、《赛茨•第一学生协奏曲》等。第三阶段可说是相当重要的阶段，承前启后。这一阶段要求学生把前面所学的技术正确应用，且应具备一定的音乐表现能力。所以这一阶段对艺术的要求相对要高一些，教师对乐曲的处理亦非常关键，曲目安排可将艺术性为主与技巧性为主的两类曲子分类交叉进行练习。如练完《亨德尔•第四奏鸣曲》后安排《贝利奥•第九协奏曲》，再练《亨德尔•第六奏鸣曲》，然后接《罗德•第六协奏曲》等。这一阶段曲目繁多，可视学生的练琴进度及练琴时间多少而定，但一些传统曲目不能轻易跳过，像《巴赫•a小调协奏曲》、《罗德•第七协奏曲》、《巴赫•E大调协奏曲》、((维奥蒂•二十二协奏曲》等，应该有选择地拉精拉好，这样才能顺利过渡到下一阶段。第四阶段的曲目包括《莫扎特二、四、五协奏曲》、《海顿•C大调协奏曲》、《卡巴列夫斯基•青年协奏曲》、《维奥蒂•二十二协奏曲》等曲目，这个阶段艺术性的要求已相当严格。为了做到技巧上无负担，最好加练一些炫技性的小品，如《诺瓦切克•无穷动》、《克莱斯勒•前奏与快板》等，同时亦需着重注意练习乐曲风格，分段分配，句法处理等内容。曲目安排是一门严谨的学问，本人认为盲目跨阶段练习乐曲，那只能造成拔苗助长的结果。所以，只有练好这些曲子，才有可能具备学习《门德尔松•e小调协奏曲》、《维尼奥夫斯基•d小调协奏曲》等作品的实力。
小提琴演奏的教学方法是不断发展的，少儿小提琴教学在西欧各国更是一门发展迅速的学科。如何与国际接轨，如何进一步提高少儿小提琴教学的水平，值得真正热爱小提琴艺术的教师们来一起研讨，本人谨希望此文能带给同行们一些信息与参考。
2.小提琴音阶1指定位法新途径 篇二
关键词:等音互换;不等调互换;减七和弦等互换;1指定位法
中图分类号:J622.1文献标识码:A文章编号:1004-2172(2009)04-0088-03
前些年,“加拿大音乐桥”专家来川音招收交响乐团成员,小提琴学生在应试过程中,要求首先背奏某调的音阶(3个八度音阶及7种碎和弦),居然难倒了应试学生,使之陷入窘境。当然在24个调中任意抽一个调(大调或小调),特别是那些不常用的调,其难度可想而知。
一个大学二年级的主科小提琴学生,从附中到本科最少也有8年的专业训练时间了,就算一个学期练两个调(包括三、六、八、十度双音主阶),一学年4个调,那么24调要拉完花得6年时间,何况在附中学习期间还在学习两个八度的音阶。问题是学习到后面的调就把前面的调忘了,又反过来复习,等到复习差不多了,后面学过的又忘了,所以应试学生不能应对这个情况,这恐怕得从教学的角度去反思了。从演奏交响乐角度看,各种调都有可能碰到,对于一个小提琴手来说,24个调不熟练掌握,视奏就成问题了,故国外音乐学院、交响乐团如此重视音阶就可以理解了。卡尔弗莱什音阶体系中24个调都有了,教学也照着一个调一个调的教,学生也就照着学,能否达到抽什么调都能演奏出来吗?本文就试着解决3个八度音阶及7种碎和弦的问题。
一
以标准音A音为准,即小提琴A弦上以1指定位的方法(即定把位的方法),1指按B音为一把位,滑到升C音为二把位,D音三把位,E音四把位,升F音为五把位,但升C和升F两个音不要按得太多,应靠近D和G音,即不要用五度相生律的小半音,因为拉小提琴的都容易用演奏旋律的概念不自觉地就拉高了。现在用A大调把这几个音用纯律对准成和谐的双音以此来牵制这些音的高度,因为这些音将决定主音的高度。
谱例1:
延长音是用来调整该音高度的,可以上下滑动直至找到最谐和的位置为止,并记住这些位置,在听觉上可能有点别扭,习惯后就适应了。
以A弦为中心的理由是A弦到E弦A音有1个八度,A弦空弦音向下扩展有1个八度,就形成两个八度,在E弦上A音再往上扩展1个八度,就形成3个八度了,这就是以A弦为中音的理由,但在四弦(G 弦)还有一个空弦G音,在以后的音阶中一个大调跟一个同主音小调,碎和弦共用。
二
先解决四弦上的G大调、g小调、降A大调、降a小调(音阶中没有这个调,就用升f小调互换)、A大调、a小调共6个调。
谱例2
上例g小调只有降B音不一样,其它音与G大调相同,下行按g小调自然音阶即还原F、降B,同主音大小调都统一用一种指法,记住共用7种碎和弦。
谱例3
卡尔弗莱什为什么安排以主音开始的7组碎和弦,只有下属和弦,没有属调和弦,因为属和弦没有主音。次序是这样的:一级小三和弦,一级大三和弦,六级小三和弦,四级大三和弦,四级小三和弦、减七和弦、属七和弦,转入下属调主音,必须牢记这7组和弦,24个调完全一样。现以C大调为例:
谱例4
完全按照和声连接法则,平稳进行,中声部半音级进,共同音保持在一个声部,所以选择那些大小三和弦的次序就一目了然。现在用一指按降A音,演奏同主音大小调音阶和升g小调音阶:
谱例5
比较降a小调和升g小调,除了音名不一样,实际音高相同,把位相同,换把也相同,因为是同主音大调共用7组碎和弦,所以24个调,实际上节约了一半精力,问题是在卡尔弗莱什音阶体系中不存在降a小调,必须用升g小调互换,但在实际操作上用升g为主音也可以演奏出7种碎和弦的,按照7种碎和弦的模式规则进行就可以了。类似的情况还有两个调,降d小调要用升c小调互换,降g小调要用升学 f小调互换。下面是降A大调7种碎和弦:
谱例6
接下来是A大调、a小调音阶和7种碎和弦,1指滑到A音开始,其它和演奏降A大调完全相同,四弦上的6个调就解决了,记住这几个调应该不困难。
三
从降B大调开始转到A弦上1指定位,1指按在B音上的一把位上,2指以半音的距离放到四弦上就是降B音,演奏它的大调音阶和同主音小调音阶,接着就演奏7种碎和弦,牢牢记住这些指法和换把位的地方,形成一个固定的模式,进行严格的移位,只需确定主音位置。照这个模式演奏,下面18个调就可顺利完成:
降B大调B大调C大调降D大调
降b小调 b小调 c小调 降d小调(用升c小调互换)
D大调降E大调E大调F大调降G大调
d小调降e小调e小调f小调 降g小调
(用升f小调互换)
谱例7
减七和弦统一采用主音、升二级、升四级、六度音的模式,遇到重升应避免,要用等音互换如:
谱例8
特别要牢记的是抽奏升g小调,就用降a小调代替,7种碎和弦也用被代替的同主音大调的碎和弦模式进行。
四
任抽一个调的主音能找到吗?确定主音位置就成为关键。前面已谈到四弦上的G大调、g小调、降A大调、降a小调(升g小调)。A大调、 a小调已经不是问题了,请参阅谱例1,找大调就可以了:1指放到A弦上B音位置,2指距1指半音放在四弦上,就是降B音,2指距1指全音位置放到四弦上是B音,1指由二弦B音滑到升C音,2指距1指半音位置放到四弦上为C音,1指距1指全音位置在四弦上就是升C音。1指由二弦B音滑到D音,2指以半音距离放在四弦上就是降D音。全音位置是D音,依次类推1指滑到E音在四弦上2指可找到降E、E。1指滑到升F,可找到F和升F音(卡尔·弗莱什音阶体系中只有6个降号和5个升号的最高升降记号,所以没有升F大调,只有降G大调)。所以要找降G大调,1指由二弦上B音滑到升F 音,2指距1指为全音位置放到四弦上就是降G音了。
由二弦上1指放在一把位B音上滑向升C、D、E、升F,找其中一个音是再简单不过的事了。这18个调的主音在四弦上可立即找到,按照前面说过的降B大调模式演奏就行了,加上四弦一把位的6个大小调,整个24个调就算完成。
五
经过上面的论述,再经过不断的练习,熟悉这种同主音大小调共用7种碎和弦、1指定位法找主音的方法,相信花不了多少时日,即可达到抽什么调就可拉什么调的境地。
六
由于采用的是同主音大小调用相同的指法,卡尔·弗莱什的音阶下行换把是在半音地方换把,所以小调下行时为了方便记忆可采用和大调相同的指法,换把的地方是在全音的地方,要是觉得不方便,也可改成半音地方换把,办法是小调下行不采用4指滑到下一个音,而是4指、3指、2指换把到3指、2指、1指换把到3指,这样换把都是在半音的地方了,如果能记住那就可把它全都改过来。
提供一点建议,音阶7个音,要是降了6个音,有1个音没有降,就找1个升号的调,照G大调的概念去拉,只不过把现有的音都降半音(也就是降半个把位)演奏,就是降G大调了。又如5个升号的调有两个音没有升,就找两个降号的调降B大调概念移高半个把位就是B大调,按降B大调概念拉可以。依次类推,这个办法或许对识谱的能力有所帮助。
责任编辑:陈达波
On A New Method of First-finger-location in Playing Piano Liu Deyong
Abstract:
This article provides a new method of first-finger-location in playing piano, in order to solve the problem of playing scales and seven broken chords in all major and minor keys instantly.
Key words:
3.学习小提琴方法 篇三
如果练琴处于被动状态，练琴用的时间再长也是没用的。因此，练琴的首要问题是聚精会神，多动脑筋。只有通过学生的积极思考和主动练习，才能取得较好的实际效果。著名的小提琴大师奥尔说过:“集中精力地练两个小时的效果比随随便便拉它七八个小时要大得多。”有些学生练琴时，手指做着机械的动作，而脑子已经走了神，这样的练习不仅达不到目的，而且是十分有害的。错误一次一次地重复着，天长日久，听觉器官对音乐的敏感性就会明显下降。要改变这种状况，就需要认真安排时间，或者在练习的方法和内容上有所变换，以保持练琴的热情和兴趣。一般来说，每练1小时后，要休息10分钟左右，即使是在1小时之内，练一阵子以后，停下来想一想，或者唱一唱“难点”，比持续不停地练更有效果。练琴是高度自我观察、自我批评的过程。要能观察自己实际演奏情况，了解自己，分析自己。能分辨对的和错的，好的和坏的，才能自我改进，求得进步。这一切都需要高度的精力集中才能做到。有人说，练完之后应当觉得头痛而不是手痛，这话虽然有点夸张，但却说明了集中精力，多动脑筋的要性。
突出重点反复练习
在练琴的过程中，应做到突出重点、突破难点，把功夫下在难点和重点上。切忌一遍一遍地将全曲从头到尾平均对待。对难点要逐步解决，逐个突破。比如，当遇到一个“经过句”时，音调很难，节奏也很复杂，再加上还有装饰音。就可以先去掉装饰音，把音搞准，再用慢速度把节奏搞对，在掌握了音准、节奏的基础上把装饰音加上去，然后逐步把速度提上去。这样由简到繁、由易到难地逐步练习，就能在较短的时间里取得较好的练琴效果。当然，从总体上讲，对练琴的基本要求仍然强调要全面发展。
还有一个非常重要的原则是，当一个难点在经过反复练习已经掌握后，就不必再用很多时间重复地进行练习，但很多学生都习惯将乐曲一遍遍地重复，这不是很不科学的。当然，隔一段时间，把那些原来已经掌握好的东西再练习或检验一下是必要的，但指导思想应当是解决一个问题后立即转到第二个问题上去。
有计划和有目的练习
4.小提琴教学法学习和辅导原则 篇四
来源：歌词大全 http://
对教师和家长的 4 点要求： ．儿童在家里每天都要听有关的唱片，以培养音乐感，依靠多听才能进步得快。．发音训练，即优美音色的发音练习，不论在课堂上或在家里都应该强调。．要时常提醒儿童注意发音的完美、把位及持弓的正确。
．教师和家长应尽量鼓励儿童在家要自觉而愉快地进行正确的练习。
根据我三十多年的教学经验，我确信，如能认真做到上述 4 点要求，任何一个儿童的音乐才能都能得到充分的发展。
音乐才能并非天生，而是后天可以培养的。正如儿童都能够学好他们本国的母语一样，只要按照正确的方法进行训练，所有的儿童都能把他们的音乐才能开发出来。所以为了孩子的幸福，我希望上述 4 点基本要求无论在课堂还是在家都应该尽量坚持。
识谱的辅导将从第四册开始。正如儿童在初学本国语言时并不教识字那样，在）七童尚未充分发展音乐感、演奏能力和记忆力前，小提琴学习将不包括识谱。在学完本教材第三册时才具备这种条件。甚至有了识谱的能力之后，在原则上，儿童在上课时还是要背奏的。
音乐感的培养：
儿童应每天都要好好听他们正在练习的那段音乐的唱片，多听能帮助他们更快地进步，这是培养音乐才能最重要的因素，那些听得不够的儿童将缺乏音乐感。
音色与发音训练：
正如声乐学习中的美声训练一样，在小提琴教学中引人发音训练是非常重要的，实践证明是非常有效的。每一次课都应包括发音训练，并应成为家中每日练习的一部分。
集体课：
让程度较深和年幼的学生在一起演奏这种新型的集体课形式是极为有效的。学生对此很感兴趣，并且进步显著。我建议每周一次集体课，或至少每月两次。
发展演奏能力：
一个孩子如果只学会一首乐曲的弓、指法，还不应去练新的乐曲，他必须再提高一步。我会对孩子说：“现在你学会了音符，我们可以开始培养演奏能力这一重要课题了！”于是我就着手改善他的发音、动作和音乐感。
下面一点也是重要的：当孩子已能完整地演奏乐曲 A，并开始练习一首新乐曲 B 时，A 不能停下来而应同时练 A 和 B。在不断增加新乐曲的同时，继续复习练过的乐曲，将会大大提高演奏能力。
5.钢琴演奏中音阶弹奏技巧的探讨 篇五
作为乐器之王的钢琴，它具有宽广的音域、丰富的色彩，并有同时奏出多重音响的特性。因此，它除了担任独奏外，还可以与其他的乐器合奏、重奏，为乐器、声乐、舞蹈伴奏，由此可见，钢琴在音乐领域里起到了举足轻重的作用，是其他乐器无法替代的。
音阶的练习对演奏的训练是非常重要的，是各种演奏技术的基础，对手指训练是必不可少的。在钢琴作品中经常会遇到各种音阶式的片段，如果演奏者能非常熟练地弹奏音阶，那么在演奏乐曲时，就可以得心应手。弹音阶，所有手指都能得到练习。十个手指天生的能力不一致，而音阶要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶就会使手指得到平衡发展，并提高控制、运用手指的能力。音阶的弹奏要达到一定的速度，可以训练人的灵活、快速反应的能力。
音阶的练习可以帮助学生熟悉音键的位置。全部音阶，由24个大小调组成。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式、调性。熟悉了音阶，也就熟悉了所有这些调式、调性。在乐曲中，常有音阶或音阶式进行，往往这也是技术难点。平时弹好音阶，为克服乐曲中的难点做好了准备。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把音阶弹得较快而又均匀，就很难。必须每天认真练习，长期坚持才能弹好。音阶弹奏的水平，是学生技术水平的标志之一。
弹奏音阶的基础，是手指通过五指练习，已经具备了一定的独立性和灵活性。在这个基础上，学会手位移动的正确方法就是弹好音阶。在教学中称它为“转弯”，大指必须转到其他手指下面去弹奏，这是弹好音阶的关键。
学习音阶，右手宜从B大调，左手从降D大调开始，这样大指正好在白键上，其他手指都在黑键上，最符合自然手型，容易掌握。然后右手再学习E、A、D调，左手学降A、降E、降B等调。这样安排是出自对弹奏的科学性和弹奏由易至难的渐进性的考虑。当然也可以用从C大调开始，逐渐增加调号的顺序学习。
一、弹奏音阶的基本要领
以右手C大调音阶为例：
第一，第一个音用将手“落下”去的方法弹出。在速度不是很慢时，第一个音落下去的同时第二个手指就要抬到一定的高度，做好触键准备。
第二，提前准备的原则：假如是用很慢的速度练习，抬指准备可以不与弹前一个音同时，因为停在空中等待会带来多余的用力。但在稍快的速度时，务必在弹前一个音的同时，抬起后一个音该用的手指，及时做好准备。而在很快的速度时，几乎是第一个音一出来，后面的几个手指随之就都做好准备。这时，准备的手指并不抬得很高，但务必在指端与键面之间保持一点距离。
第三，C大调的E到F，是右手3指后接大指而必须移动右手位置的时刻，是弹奏音阶的关键。要领是，在3指弹E的同时，大指已经在手腕的协助下，从掌心下面移动到了F音的上方。到了B和下一个C，即4指到大指时，要领与3指到大指又是一样的。
第四，大指触键可以有手腕的协助，但务必也要有独立的下触动作，不能只靠手腕。
第五，大指触下F的同时，2指就要处于G的上方，刚才斜着的手也要同时正过来。下行时的道理相同，在F到E，即大指后接3指时，一定要在大指弹下F同时，3指已经从大指上面转移到E的上方。大指到4指的连续也同样。
第六，音阶各音的力度、音量要均匀，唯最低音和最高音可稍强调一点，因为这是线条的转折处，要给人一个清楚的印象。
第七，手掌、手腕基本平稳，腕、肘部保持自如感，配合手指的转换，尽可能提供“方便”。
第八，初学音阶，开始先分手练习，以便听清每一个音的质量是否都合格、统一，转移位置是否感觉自如，检查指法是否准确，之后再合手练习。
二、指法正确是弹奏音阶顺利的保证
必须严格地掌握正确的指法：24个大小调左右手都各有七种指法。要通过分析进行归类，这样才不容易忘记。
第一，右手：白键除F大小调外，C、D、E、G、A、B大小调的指法相同。
降A（升g）大小调以及升c、升f小调指法相同。
F、降E、降B各大调与该同名小调指法相同。
降D（升C）与降G（升F）大调与其他各调指法都不同，需逐一记忆。
第二，左手：除B大小调外，C、D、E、F、G、A各白键大小调指法相同。
降D（升C）降A（升g）各大调与该同名小调指法相同。
B、升F（降G）各大调与该同名小调指法相同。
降b与降e小调指法与其他各调都不同，需逐一单记。
以上分析中提到的小调一般对和声小调和旋律小调都适用。但旋律小调有两个例外：左手升g小调与右手升c小调，它们本身的上行与下行指法不一样。
三、音阶弹奏应有一个由易到难、循序渐进的过程
音阶弹得速度快而又力度强，不是短时间练习所能达到的。对于初学者，在速度、力度的要求上，应该有一个循序渐进的过程。一般来说，音阶练习可经过由弱、慢逐渐到强、快。在开始时慢而又弱，是为了找到在最自然、最省力，手腕和手指最协调的状态下，弹出最均匀的音阶，当然不能过慢。无论一个八度还是四个八度，都要作为一个整体去感觉，做到动作有连贯性。只有在连贯性中，才能显示出阶梯的音的序列来。如果速度过慢，每个音停留过长，就会变成一个个孤立的音，动作也会不连贯，还要削弱或失去音的阶梯性的声音形象。
6.音阶歌 教案 篇六
设计意图：轻快地旋律、有趣的歌词、形象简单的记忆方法，带领孩子们走进欢乐的音乐世界。同时，歌曲里的几个新知识点也拓展了他们的认知。
活动目标：1.在认识简谱“1、2、3、4、5、6、7”后，能够按顺序和逆序的方式念出来。
2.通过边打节奏边度歌谣，加强幼儿的节奏感。3.快乐的学唱后，能够积极地自信的表演唱。
活动准备：音阶卡两张、小动物们的图卡各一张、对比词卡两组、电子琴、音响、歌曲。
活动过程：
一、导入 师：小朋友们好！幼：老师好！
师：又到了我们欢乐的音乐时间了！首先让我们来动一动热热身好吗？ 幼：好!（播放音乐，教师带着小朋友们根据歌词来做律动。曲子就是后面要教授的歌曲。）
师：刚才我们都学什么小动物了？
幼：发表自己的观点。（教师要及时的给予鼓励）
师：今天，小燕子、小山羊、小猫咪要带领小朋友们到快乐的音乐王国里去玩。现在我来统计人数。请问，有谁想跟我一起去呢？ 幼：我——！
师：呀！有这么多的小朋友要去啊！不过，音乐王国里的有七位小音乐家。他们这七个好朋友说了，只有小朋友们认识了他们，并解决了他们给你们的难题。他们才允许小朋友们进去。你们敢接受他们的挑战吗？ 幼：敢！
师：小朋友们真勇敢!老师喜欢你们！那七个小音乐家也很好高兴！看！他们乐呵呵的来了。（出示音阶歌的音阶图卡）
二、学习过程：.出示音阶卡，教孩子1、2、3、4、5、6、7的音名。.幼儿在认识简谱“1、2、3、4、5、6、7”后，能够按顺序和逆序的方式念出来。.通过老师的引导，幼儿能够自己通过打节奏、转花等方式来加强自身的节奏感。（加入知识点：八分音符、十六分音符的唱法和延长线的意思。音阶上的小花可以让幼儿轻易的就打准节拍，增加他们继续学习的乐趣。）.通过教师的引导，让幼儿通过图片，来一句句的来说清、说准、记忆歌词。最后，通过男女生相互接句、师幼接句等方式让幼儿边打节奏边更加的熟悉歌词、记牢歌词。为接下来的学习歌曲做好准备。.歌词读熟后教师先范唱一次.教师先领唱一句，小朋友们随后跟着。.两遍结束后，教师边弹琴边和幼儿小声合唱。教师只起提醒作用。（如果幼儿接受的能力很快，教师可以将自己的音量逐渐放小，或不跟唱。）.教师完全不跟唱后，鼓励幼儿，让幼儿自己表演唱。（幼儿在这之前通过老师的引导来自己创编动作。）9.接句游戏：师幼相互接句。
10.游戏大转盘：教师扮演大转盘，手臂是指针。最后闭上眼睛原地转圈。小朋友们一喊停指到谁，谁就来打擂。几轮下来，努力的相互“攀比”，幼儿不仅更好的熟悉了歌曲，也让他们对音乐的学习有了积极的态度。
三：活动结束：集体自信的表演唱后教师做小结。四：活动延伸：1.回家后将好听的歌曲送给最爱我们的人。
7.《音阶歌》教学反思 篇七
这堂课主要是以音阶图式、两个音的对比和手号演示来体现音的高低，特别是运用手号来辅助教学较好地解决音的高低和音准问题，给同学直观的音高概念；目标的达成较好，学生的学习兴趣浓，整节课的思路清晰，从解决一个音到解决两个音的对比到解决—句旋律最后到解决整首歌曲层层深入，学生能随着教师的思维一起投入到学习当中，自主学习的能力体现地很好。我注重教学的有效性，注重师生互动、生生互动，从学生的投入学习、积极参与和目标的达成情况来看，我觉得本节课是一节比较成功的课，我相信在下一节课再加强巩固，学生的视谱能力和音准将会得到较大提高，为进一步学习音乐打下良好的基础！不过也存在一些问题，主要体现在：
1）最后分组活动练习手号演示比较成熟时，把牧童笛加上进行旋律的演奏效果可能会更好；
8.《身体音阶歌》说课稿 篇八
金河镇中心幼儿园
许晓颖
一、说教材：
生活是丰富多彩的，它带给我们丰富的情感；艺术是引人入胜的，它用生动的美的形式装点着生活。音乐是幼儿的天性，幼儿园音乐教学的目的是挖掘和发展人自身潜在的音乐素质和能力，负有培养幼儿对音乐的兴趣、爱好，萌发幼儿初步感觉美，表现美的重要使命。幼儿园的音乐教育是促进幼儿全面发展的重要教育手段，而兴趣是幼儿学习音乐的首要前提，让幼儿在有趣的音乐活动中才能更好地实现幼儿园音乐教学的目标。我班幼儿活泼好动，特别喜欢游戏活动。身体是每个人都有的，是幼儿熟悉的，《身体音阶歌》将音乐与幼儿身体相互联系，让幼儿感受不同的身体音阶以及培养幼儿对音乐活动的喜爱，我特设计此音乐游戏活动。
（一）、说目标
活动的目标是教育活动的起点和归宿，对活动起着导向的作用。从中班幼儿的已有学习经验与年龄特点出发，本次教学活动目标从认知、技能、情感三方面制定：
1、初步认知基本音阶唱名。
2、通过身体律动，发展幼儿身体协调能力及节奏感知能力。
3、喜欢参与音乐活动，并能够按要求做动作。
（二）、说重点，难点：
重点：中班幼儿的思维仍带有直觉行动性，主要依靠动作进行，需要亲身体验，在操作探索中发现事物的特征。中班的孩子对音乐的感受能力越来越好，而且对歌唱活动也比较感兴趣，音阶究竟表示什么意思，在我们的生活中又有什么用处，幼儿的概念是模糊的。虽然他们在生活中接触了很多的歌曲，但他们几乎没有去思考，理解过这些歌曲究竟怎么得来，因此，让幼儿“体验音阶与身体部位的密切关系” 并通过身体律动，发展幼儿身体协调能力及节奏感知能力。是本次活动中的重点。
难点：能活泼生动的边唱边表演,做到手口一致。
（三）、说活动准备：
良好的开端是成功的一半，为了突出重点，解决难点，我做了一下准备：教学挂图，《身体音阶歌》视频，电子琴。
二、说教法和学法：
《幼儿园教育指导纲要》中指出：“教师应成为幼儿学习活动的支持者、合作者、引导者”。活动中应力求形成合作探究式的师生互动、生生互动。因此，活动中除了以积极饱满的情绪影响孩子外，我运用了以下几种教学方法：
1、视、听、唱、动结合法。让幼儿借助形象的教学挂图来理解音阶及歌词内容的基础上再来学习演唱，边看视频边律动，让幼儿在学习和表演中感受到了其中的乐趣。
2、游戏法。幼儿教育专家陈鹤琴先生说过：“游戏是幼儿的心理特征，是幼儿的工作，游戏就是幼儿的生命”从某种意义上说幼儿的各种能力是在游戏中获得发展的，同时中班幼儿的思维特点处于由直觉行动思维向具体形象思维过渡的阶段，幼儿的注意力集中时间非常短，因此我采用了“摸五官”、“我说你做”等符合幼儿年龄特点的游戏法。
3、直观教学法。用色彩鲜艳的教学挂图和多媒体教学视频吸引幼儿的眼球，让每一位幼儿都积极主动的参与到活动中来，通过视觉、听觉和亲自体验感受歌曲内容及旋律，从而更好的完成教学任务。
教学活动是老师和幼儿共同表演的舞台，而幼儿是学习活动的主体，教师的“表演”以及活动中所呈现的一切都必须为孩子自然的学习服务。因此，我在本次活动中注重幼儿自身的学习和体验，采用体验学习法和多种感官参与法，引导幼儿在体验中学习，通过看一看、听一听、唱一唱、做一做、演一演等多种感官的活动，参与音乐活动。
三、说教学过程：
本次活动我将分为五个大环节： 环节
一、热身练习
在本环节中，我首先和幼儿进行了音乐常规练习，先做深呼吸，随后变换a、la、mi为主音进行了发声练习；其次，幼儿随电子琴伴奏，进行了小鸭上楼梯的律动练习，激发了幼儿表演的兴趣。
环节
二、游戏导入
1、摸五官的游戏，目的是为了集中孩子们的注意力。
2、“我说你做”游戏，教师发指令，让幼儿做相应的动作，既调
动了幼儿的兴趣，也引出了本课所学的内容，初步了解了身体音阶歌的歌词。
3、看一看，通过教师出示身体挂图，让幼儿了解我们身体的每个部位，同时教师给这些身体部位取名字，让幼儿跟着老师唱，跟着电子琴唱，来认识基本的音阶唱名，初步了解了音阶。
环节
三、带领幼儿学习《身体音阶歌》
在该环节中，教师先通过挂图，和幼儿再次熟悉歌词，之后教师借助自身身体，带领幼儿边做动作边唱歌曲旋律，帮助幼儿记忆歌词，并学会演唱。
环节四，游戏律动
在本环节中，教室播放《身体音阶歌》，先全班幼儿跟视频边唱边跳，然后分组练习，并互相评价，既满足了幼儿表演的欲望，又复习巩固了所学的歌曲，最后邀请在场的家长何老师一起律动，让幼儿在快乐的氛围中结束了本次活动。环节
五、课外延伸
为了更好地完善本次活动，我将活动延伸到课外，请家长下载本次活动音乐，在家中和幼儿一起律动。
四、说活动反思：
9.吉他基础音阶和经验 篇九
弹奏旋律时，为了便于记忆音阶的位置，故将吉他指板划分成若干个演奏的区域。这些 区域在指板上所形成的模式就叫做指型。指型是根据指板上各调式音阶中的唱名来命名的。
1.七声音阶的指型模式（C大调a小调为例）无论是七声音阶、五声音阶、还是布鲁斯音阶，其指型模式均由五种组成，即：
半小时学会作曲
10分钟学会作曲
半小时能否学会？我以风的名义发誓绝对可以。由我为你娓娓道来吧！
几可肯定，全国范围内现在玩原创大多数都不是专业出身，因此本人认为在这里我不会跟你讲什么调式，什么定律。这些东西对于玩摇滚与一般的现代音乐来说并不能起到决定性的作用。相反我认为你过分的执着这些东西只会让你的创作力变得平凡无奇，所谓原创就是开发你自己的东西可知道？好，让我为你们找来一些必要的工具（它们只是工具。）、昨晚我跟上帝通过电话，他老人家明确的告诉我“莫扎特”是他错手做出的一个作品，他发誓不会再犯这样愚蠢的错误了。所以我几可肯定无论你、我、他、都不会是下一个“莫扎特”。所以你就不要怪自己鲁钝了，来。喝口酒，壮壮胆。虎山有兄弟我陪你行。
要学会作曲首先要解决四大点： 第一． 基本音乐知识。第二． 识谱记谱 第三． 会写歌词。第四． 最少掌握一种乐器。
基本的音乐知识。
我以最简洁的方式把这些工具都列出来意求让你能以最快的速度明了。
一：1234567＝CDEFGAB.这个叫七声音阶，或者你可以把它理解为“标准音阶”。哥们，这世上所有的音乐都是从这来的，给我缠着它，死死地。
二：1，＃1，2，＃2，3，＃3，4，＃4，5，＃6，7，＃7＝1（高8度）。
这个叫12平均律，跟七声音阶不同的地方就在于它多了6个“不规则音”（你暂时把它理
解为“不好听的音”）
三，高低8度，以1234567为例从1开始：
1－2－3－4－5－6－7－到这个音为止高8度。（在简谱中音符的上方有一个点的。）1－7－6－5－4－3－2－到这里就为低8度。（在简谱中音符的下方有一个点。）
从作曲的角度来看8度的区分就在于区分一个歌手的音域。
以吉它为例，黄种人－男人：大概就是从第5弦的空弦到第一弦的第5品。这个就为止“大
众音域”。（正常人都能唱到。）
同样的道理再低一点就是男低音再高点就是男高音。国内的歌手中许巍是男中低音。轮回的吴桐与超载的高旗是男高音。
女人：从第4弦的空弦音到第一弦的15品为“大众音域”。
四：音程
音程指的就是一个音与另一个音之间的度数。1－2为全音（1度）在吉它上你可以理解为两个品的距离。3－4为半音（半度或/二分一度）在吉它上是一品的距离。
小常识：在七声音阶中“7－1与3－4”是为和协的半音，而其它的有升号＃与降号b的音都是不和协音。对于作曲来说简单理解为“不好听的音或怪怪的音”你就会更好的理解了。（你要写好听的歌你肯定要找好听的音吧？）
在7声音阶中你可以用音程来理解会更快的掌握。12345671（高音）＝全全全半全全全半。
音乐知识这些就应已足够了。你也不要问我它们是怎么来的。这是个愚蠢的问题。
识谱与记谱。1． 调：
在简谱的左上方第一个1＝？。就是指该曲的调。
以C调为例1＝C。从吉它上讲就是我们以第2弦的第1品为1，也就是这个调的根音，主属
音。
以此类推，1＝D的就是以第2弦的第3品为1（根音）。。
在此，我不得不在中间穿插一个关于“调”的问题。只有这样你才能更好的理解什么是调。
我只一句话，你不要把调想得太高深了，对于我们做现代音乐的人来说我们只要了
解它的一点点就够了。
调只有两种形式――“固定调”与“首调”。
固定调指的是什么？―――就是C调。
接着上面的例子来印证：
1＝C，这个就不用我多说，也就是7声音阶与12平均律里的音符了。
1＝D，在固定调里面是没有这样的概念的，它只会这样理解:
1＝D等于1＝2。
看得懂吧？我给你列一下。
固定调的形式：1＝D的歌曲它的7声音阶就是2－3－＃4－5－6－＃1－2（高音）
2－3－＃4－5－6－＃1－2（高音）这个等于什么？
在吉它指板上弹一下，你会惊奇的发现它得出来的音和你在第2弦的第一品开始弹
1234567的音是一样的，只是高了一点。
这说明了什么问题？很多，但我认为你只需要理解一个就可以了。
说明了调的变体只是音高上的变化知道了吧？
再到回首调，在首调上来说：1＝D，还是1234567。为什么？
我来问你：“你不觉得看着那些＃号与b号看得很头疼吗？而且你还要去推去算你
嫌不嫌麻烦”？
既然你已经发现了，调只是音高上的变化而已，那么你又何苦来由要去分辨那些＃号与降b。反正你不会理解你总会听吧？你只需要记住一点：
当我告诉你我的这首歌是D调的时候，你就以吉它第2弦的第3品为1，然后你就把它当成是C调来弹、来理解你就会明白。假如我说我的这首歌是E调你就从吉它的第2弦第5品开始弹C调的感觉，你也会明白。它们什么都没变，听起来都一样是1234567，只是音高升高。
如果这个时候你还要问我为什么不用固定调？固定调又有什么不好，那么你不嫌我话多我当
然不怕你听。
再举个例，假如是固定调，而我的这首歌是1＝B的话，你用固定调的算法去推一下得出“1－2－3－4－5－6－7＝7－＃1－＃2－3－＃4－＃5－＃6”。够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？够不够麻烦？
相反你只要用首调的方法来看，你不管它在固定调上面是变化成怎么怎么样，你只要一确定这首歌是B调你马上在吉它指板上找到B（7）音按C调来弹1234567，全全全半全全全半这样弹，再不好理解你就可以这样做：“你找到那个调的根音后，以它为第1品”你就开始在吉它上像数钱一样数着距离来弹：“1品－3品－5品－6品－8品－10品－12品－13品”。就弹完一个8度了。是不是很准确的听到一个1234567呢？（如果这样你还不明白，我只能说上帝犯了一个更严重的错误――就是造了你出来。哈哈哈哈！你死了这条心吧！我佛慈
悲。。原谅我。）
为什么要花这么多心机的告诉你这些？就是为了告诉你首调的好处，也就是用简谱的好处。
同学们，来，我们接着上面的话继续讲
2.歌曲的速度。
在简谱的调的旁边或上方/下方通常都会有一个“小蝌蚪”＝数字。这个指的就是歌曲的速
度。比如
“小蝌蚪”＝120，就是指这首歌的速度是1分钟每一秒就跳两下。
在写给人唱的歌曲中，（不包括器乐曲演奏曲。）我以我的个人经验给大家列出“慢、中、快”的定义。
60－80的歌曲为慢速
80－110为中速。
110以上的都可以理解为快歌。
3.节拍。
第一个要理解的肯定是重拍与弱拍。我有两个方法保证你肯定能理解。
1.打开你的电脑或MP3播放歌曲。跟着音乐用脚打拍子，你踩下去的就是重拍。你拿起脚的就是弱拍。要是踩不准的话你就这样吧跟着时钟踩，口说“你好”。我敢肯定你每一次都会踩到“你”，每一次都不会踩到“好”。够简单不？哈哈哈！2.随便找份简单谱。看到上面的音符，节拍线上面的第一个音就是重拍之后的就是
弱拍。
什么？你问我什么是节拍线？放心，老兄们，风出手没有办不到的事。（除了钱）我给你忧
着呢！
歌曲的节拍：在写给人唱的曲子中，一般用到的就只有四个节拍。
4分音符――在简谱中音符的下面一根线都没有的。
8分音符――在简谱中音符的下面只有一根线的。
16分音符――在简谱中音符的下面只有二根线的。
32分音符――在简谱中音符的下面只有三根线的。
节拍有什么用？我告诉你，它是用来区分音符的速度的，你不用管那么多，在你音乐的感觉还不是那么好的时候你只要记住一点，当你读谱时：“看到下面节拍线越多的就越快反之则
然”。
记住，一定有个好习惯,把自己的旋律用简谱记下来，哪怕是只有一句，这不单能让你更快的了解音乐与音乐知识，最重要的是你刚开始学你乐感不好，会很容易忘记，所以你一定要
记。
话说回来，我认为即使是高手也有必要要记，因为随着你学习的音乐越趋复杂越趋多样，你原先所熟悉的旋律都会模糊起来，比如你学完了BLUES再去玩流行你就真的没有那种感觉。而且极有可能会破坏你原来的良好的音乐触感。搞得流行又不像流行，BLUES又不像BLUES，当然这个没有绝对。但我还是认为要记谱，坚决要记。
从挪威的北角纵身一跃，这肯定是不错的死法
下一部内容
3.写歌词与作曲。
为什么要写歌词？你一定会问“干什鸟事啊”？
别急，且听风吟。
（我再次肯定你不是莫扎特，我也不是，他不可能再回来了。）
首先你既然不会作曲，你当然乐理不好，你乐器也肯定是刚学不久不太熟练。那么在这种情况下，我想请问各位你有把握能凭嘴上的乱哼乱唱又或是你那鳖脚的乐器技术把你想的旋律记下来吗？你能够把每一个音都唱准就该偷笑了。
但是如果用我们平时说的话来记住旋律那就不一样了，毕竟你发音就可以有把握多了。这是个没有办法中的办法，你一开始学作曲乐感肯定好不到哪里去。说话也有语调，你慢慢就会发现。（我的作品很多旋律都是我用词随口唱出来的。）这样的好处就是你能第一时间把握到音符的准确音调，你要是乱哼的话你还要猜自己哼的是什么音，而且还要确定是什么调。换句话说，你既然已有词你唱出来了，你可以连调都不用管了，因为你唱的人家都听得懂。如果你能熟练的唱准你的歌，但又猜不出什么调什么音编不了曲，你找我，我一定无条件帮
你做出来。
也不知你有多爱好文字，我可是很爱，如果你真的写不出歌词我帮你想想。放心，风一出手
没解决不了的事情。请看。
“你好，冰冰。我爱你，我爱你冰冰。冰冰你爱我你好。。。”
马上跑到你心仪的女子面前唱，乱唱，一直唱，唱到她喜欢为止你的曲应该就差不多了。哈哈！开玩笑的。（不过要经常到别人面前唱。）
小技巧3条包保你能更快的学会： 1.不要急着唱，想到一句是一句。
2.注意节拍的变化，不要只留意旋律。没有好的节拍旋律再好也没用，毫不夸张。（我从来不吓别人只吓自己。）相反有好的节拍可能一般的旋律都会变得很好的哟！3.也是最重要的，一定要找模仿的对象，（你不是天才，你是天才就不用看我写的东西了。）一开始一定要找自己喜欢的音乐类型来模仿，不要介意，一开始是肯定要模仿的。而且我可以告诉你，你不模仿你极有可能会很难学会作曲。
学习乐器的必要性。
我可以毫不客气的告诉你学不学习乐器对你的作曲能力有可能起到根本的决定性作用。有没
有这么夸张？且听风吟！
第一，我要告诉你作曲不是用音符去堆砌旋律，而是要做出更好听的音乐。除非你每次清唱都能感动世人，要不你就不要凭多废话。
第二，音乐的真正精髓不是“好听的旋律造就了好听的音乐，而是好的和弦造就了
好听的音乐”。不用我揭示你也该明白我要跟你讲的是和弦了吧！学习乐器对于作曲的最大好处，就是无论你学钢琴又或是吉它又或是世界上的任何一个和器你都不可避免的要学到和弦。我可以先告
诉你，熟练作曲的人大都用和弦来作曲。
举一个例，我将以铁般的事实证明给你看你一定要弄懂和弦。
BEYOND－<<真的爱你>>（要骂Beyond的朋友请便）
（选这首歌的原因是因为它在中国最多人听过与解，而且更重要的是它简单易懂。）在这之前我要列出这首歌的调也就是C调的和弦与和弦音来，才能让你真正了解到和弦对于
作曲的重要性。
此曲共用到了C调的C、F、G、Am四个和弦。
这四个和弦都是大三和弦（1音＋3音＋5音组成的按照我上面的音乐基本知识去理解。）
这四个和弦的
C和弦＝1－3－5
F和弦＝4－6－1 G和弦＝5－7－2
Am和弦＝6－1－3 这种和弦我们把它的第一个称为“根音”或主音，第二个叫三度音程音，第三个五度音程音。
好，真的爱你的第一句。（在这之前请找来此曲的简谱我这里没有抱歉）
“无法可修饰的一对手”这句旋律的“修钸的一对”是两个节拍，这个乐句配的和弦就是C和弦。C和弦有什么音？135。我在这个板块的<<扒谱－总谱全攻略>>里已经强调过和弦对
于旋律重拍音的影响是非常重要的。在这个乐句你可以从你手中的简谱看出，位于乐句的第一个音符（重拍）的“修”字，它的音符是3音，也就是说使用了C和弦的三音，那么最后结束的那个“手”，它所配的和弦是G和弦，它也是重拍音，而它的音符是2，看一看我上面写的和弦音，找到了什么？找到了。它是使用了G和弦的五音。
下一句“带出温暖永远在背后”。
（“带出”是上一个小节的弱拍音可以免去不谈，同时我也告诉了你一个原理――弱拍音在作曲中不存在有和弦上的影响。）
从“温暖永远在背后”开始，第一个音“温”用的是2音它与另外三个1以16分音符组成了这个节拍。而这个乐句所配的和弦是Am和弦它的和弦音是613。
好，在这个时候肯定所有朋友都会问我：
“2音并不是Am和弦里面的音，我刚不是说和弦音对重拍音的影响是决定性的，为什么又会用到和弦外音，这不会是不协调了吗？不会是跑调了吗？” Don’t worry――且听风吟！没有风－出手解决不了的事。
第一，单纯从概念的角度去分析，用2音确实是在Am上属于跑调了。但是，你有没有发现这个16分音符的后三个音也就是“暧永远”都是Am和弦里的和弦音三
音1。那么这说明什么问题？ 这说明了一个倾向问题。例如： 你在一个空大的房间，所有人都大声说话，只你一个人小声说话，请问别人听得到你说的话
吗？
当然不能，简单点说这个就是“人多打人少”你有理也没有。哈哈！
还有就是时值问题，2音只有一个16分音符的时值，而三个1有3个16分音符，你说你会
听到哪个明显？ 好又解决了一个，下一句。
“后”这个字所配的和弦是F和弦，它的和弦音是“461”。而“后”字的音符是6音，（自己看简谱）而6音就正是F和弦的三度音程音，所以说，一理通百理明。是不是茅塞顿开
呢？
在分析完这两个乐句话后，大家看出什么来了吧？
四个和弦，它的乐句的主音以三度音＋五度音＋三度音＋三度音这样子就等于搭起了一桥和声/和弦之桥。这些主旋律都对你的弱拍音起到决定性的作用。
所以说，该知我并非危言耸听了吧？同学们我们一定要练就一样乐器多点留意一下和弦和声
学啊！
接着为大家挑些特别容易入门的和弦进行，好让你有作曲的素材。
以C调为例吧！大调（明朗轻松型）：
C--Am—F—G（1－6－4－5）C—G—F（Am）—G（1－5－4（6）－5）
C—Em---F---G（1－3－4－5）
小调（忧郁伤感型）
Am—Dm—G－Am（E）（6－2－5－6）Am—Dm—F－E（6－2－4－3）Am—G—F－E（6－5－4－3）这几个都特别简单又好听，先记住哦！
好，讲了这么多内容，我猜你可能都还不清楚步骤，我来给你们讲讲。首先，找张纸，写几句歌词，不要多，以简洁为主。等旋律出来了再加也不迟。第二，在上面我写的和弦进行了随便挑一个，然后用吉它随便弹，节奏随便你，只
是节拍不要错，而且最好弹慢点。
第三，然后脑中想一下你想模仿的或想写出的旋律，但注意不要刻意的去想，尽量让自己投入到自己的演奏中去。灵感这种东西可遇不可求。
第四，当有眉目时一定要冷静的处理，不能一下子就乱唱乱弹，也不要马上去记谱，唱多几遍，直到你觉得没什么大问题，再把它记下来。
第五，不要一味的弹一个和弦进行，要适当的变换下。这会更能让你产生灵感。
第六，要经常拿自己写的去和那些模仿对象比较。看看自己还缺少什么。
好了，关于作曲就说到这了。是龙是凤就看你自己了。拿起笔和乐器吧！
自学音乐这么久岂无感慨？我跟专业一点关系都没有，我也不是天才，我学吉它一年才会调弦。所以我能你也能，我以自己为例子给信心大家。
接触地下音乐这么多年，我发觉我们当初的定位都错了，中国永远都不可能是美国。中国人也不可能像美国人。我们不能一味的死磕摇滚，也不能一味的练技术不创作。
我的看法：
创作是防守。表现是进攻。
兵法有云：“只攻不守者，终将成疲兵”。所以你就会见到为什么这么多人会放弃音乐，因为你终会老，你的手的功能会随着岁月的摧残而渐渐老化，不再灵动。
但你的脑子却不会，你只要还有一口气的一天，你还没有神经病，你的脑子都可以在任何时
刻发挥出你的想法与灵感。
创作就等于战场上的大后方源源不断的人力物资。你能拥有源源不断的人力物资，你就有与对方周旋到底的本钱。以守为攻，对方就算再强，只攻不守也终会被你击败超越。
我有一个梦想，马丁路德说的。我引用之。
假如我们全国现在喜欢摇滚的朋友们能拥有一定的创作能力的话，那么那些小看摇滚，觉得我们只会弹闹哄哄的五和弦的家伙们，他们一定会被我们踩在脚下。为了完成这个梦想，我们得自强不息不能被人小看，在我国目前的状况只有先跨越流行才能玩摇滚，罗大佑，beyond，何尝不是如此？如果没有Beyond与李延亮我敢断言今天的中国不会有那么多的人拿起吉它唱自己的声音，骂的人多，但欣赏与被打动的人更多。艺术要先植根于生活，想法要实际。不能太现实也不能太梦想。我们写一些流行的旋律不代表摇滚就死，像Bonjivl那种乐队是很值得我那学习的，他们要什么就有什么。摇滚乐也不是万能，什么心情就什么
风格的歌，这才是真正的音乐。
为了完成这个梦想，我们一起没日没夜的写吧！
我以风的名义发誓：“看过这篇文字的人如果你能准确的唱准你的旋律但又苦于不会记谱不会编曲的话，你就打***，（24小时无任欢迎）或加我Q12370147，或E我windrock@163.com.。
我一定竭尽所能的帮你完成能让你倍受鼓励的音乐作品。为了这个共同的梦想。以弦为箭，今晚我们一起弹断第一弦怎么样？